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“La más perfecta de todas las mujeres romanas por cuna, virtud y belleza” Veleyo Patérculo. Historia romana. II, 75-2⠀

Con Octaviano ya convertido en Augusto, Livia gozó de tremendos honores y privilegios que normalmente sólo se aplicaban a los hombres. Se le permitió administrar sus propiedades y su patrimonio personal sin la tutela de ningún varón (ni siquiera la de su esposo, Augusto). Solía debatir con él asuntos de Estado e influía en sus decisiones, además de controlar por completo los asuntos de la familia imperial.⠀

De hecho las leyes de Augusto a favor de la liberación femenina fueron seguramente aconsejadas por Livia, que ayudó a conseguir mejoras para las mujeres de su época y posteriores, hasta que el cristianismo abolió dichas leyes.⠀

Livia supo encarnar como nadie los valores de moral y “dignitas romana”, que él promulgaba como pilares de su política.⠀

Fue un referente para muchas mujeres de la corte imperial. Esposa, madre, abuela y bisabuela de emperadores romanos.⠀

Aquí podéis contemplar la escultura sedante de Livia junto a su hijo Tiberio que hay en el patio romano del museo arqueológico de Madrid. Ambas esculturas se encuentran una al lado de la otra; pero sus miradas están tan alejadas como cuando vivían en la Roma Imperial; hay un gran vacío entre madre e hijo.⠀

Tiberio nunca le perdonó que por su culpa perdiera a su amada esposa Vipsania. Livia cayó en desgracia y se retiró de la escena política. El emperador se retiró, a su vez, a la isla de Capri, quizás para no encontrarse con su madre.⠀

Al morir ella a la edad de ochenta y seis años, él no quiso estar presente en su funeral y no le concedió el título honorífico de Mater patriae, Madre de la patria; ni a divinizarla. ⠀

@claseshistoriadelarte y Amaya Torres Castillo⠀

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Heinrich Brunn escribía tras el hallazgo en el siglo XIX: “En la estación estiva y en las horas meridionales ni la sombra de los arboles bastaba para ofrecer una suficiente protección contra el ardor del sol. Se sentía la necesidad de un lugar más fresco, pero al mismo tiempo permanecía el deseo de no privarse de la amenidad del campo. Este es el motivo de que se haya plantado un jardín bajo tierra” (Boletín del Istituto di Corrispondenza Archeologíca. Roma. 1863).⠀

«Allá verdea la dura piedra de Laconia, aquí el mármol líbico y frigio, más allá brilla el ondulado ónice y el mármol con vetas del mismo color que el mar profundo, y resplandecen rocas frente a las cuales palidece de envidia la púrpura de Ébalo». Así describía el poeta Estacio, a finales del siglo I d.C., las estancias.⠀

Precisamente en Prima Porta cultivaba Livia un laurel, protagonista de una leyenda: ⠀

“A Livia Drusila un águila dejó caer desde lo alto en su regazo una gallina de extraordinario candor que portaba en el pico una rama de olivo con sus semillas. Los arúspices la indujeron a criar al ave con su prole y de plantar la rama y custodiarla religiosamente. Esto ocurrió en la Villa de los Césares que domina el río Tíber junto a la novena milla de la Via Flaminia que por ese motivo es llamada “Ad Gallinas” y en ella nació prodigiosamente un bosque. Enseguida Cesar Octavio en sus triunfos comenzó a llevar en la mano una rama y en su cabeza una corona con el laurel de aquel bosque, y así hicieron todos los emperadores”.Plinio. Historia Natural, XV⠀

La emperatriz Livia se retiró a esta villa tras la muerte de su marido.⠀

@claseshistoriadelarte y Amaya Torres Castillo⠀

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En 1863 se desenterró al norte de Roma (en Prima Porta) una antigua residencia imperial con unos soberbios frescos perfectamente conservados, estos pertenecían a una magnífica villa que perteneció a la emperatriz Livia, esposa del emperador Augusto.⠀

Las pinturas y los estucos de la bóveda, gravemente dañados durante la segunda guerra mundial, fueron extraídos en 1951 y, tras una intervención integral, fueron trasladados al Museo Nacional Romano, en cuya sede del Palazzo Massimo se exponen actualmente y donde los pudimos contemplar y disfrutar en nuestro viaje a #Roma.⠀

En las paredes de la sala se escenifica un jardín con plantas ornamentales y frutales, animado por pájaros y flores.⠀

Entre las diferentes especies botánicas que se muestran se distinguen árboles tales como abetos, cipreses, pinos, alcornoques y encinas árboles, arbustos variados y laureles a los que se unen diversas especies de flores. Como curiosidad se han reconocido hasta 69 especies diferentes de pájaros que revolotean entre los árboles o comen furtivamente de los frutos.⠀

Para las personas que comían allí era como estar en el interior de una gruta. En contraste, la bóveda estaba decorada con casetones en estuco pintados alternativamente: unos con el fondo azul y victorias aladas sobre candelabros, otros con el fondo blanco y parejas de figuras.⠀

Y contemplando lo que queda de estos frescos, se puede intuir como era la esencia de la emperatriz Livia, mujer sencilla pero de un gusto exquisito.⠀

@claseshistoriadelarte y Amaya Torres Castillo⠀

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Como ya comentamos la arquitectura en sí es un arte, pero además, a lo largo de toda la historia podemos observar que siempre ha existido una gran relación entre ella y las otras artes, como pueden ser la pintura o la escultura.⠀

Esto ocurre desde la antigüedad, por ejemplo ya era una práctica habitual en Oriente Próximo y Egipto el decorar los templos y tumbas con relieves y pinturas murales.⠀

En Grecia y en Roma la pintura mural formaba parte fundamental de las decoraciones de los interiores arquitectónicos. ⠀

La #pinturaromana va a tener una gran influencia del arte griego ya que, durante la época de Julio César llegaron pinturas griegas que arrancaron de las paredes y fueron llevadas a Roma.⠀

Aunque se vieron influenciados por la pintura mural griega, eran más prolíficos en esta técnica, así que la desarrollaron ampliamente.⠀

Para su creación usaban el fresco que es una técnica para pintar sobre paredes en las que se emplean colores disueltos en agua de cal y son extendidos sobre una capa de estuco fresco especialmente preparado.⠀

De forma tradicional se ordena los estilos de la pintura del Imperio romano a través de cuatro estilos, en principio organizado según las muestras conservadas en Pompeya a la que se han ido añadiendo nuevos hallazgos.⠀

Con los Cuatro Estilos de la pintura pompeyana se crean por primera vez ilusiones visuales en las que los muros parecen abrirse a profundas perspectivas.⠀

El segundo estilo, conocido como arquitectónico o ilusionista, (se desarrolla durante el siglo II a.C), es llamado así porque además de imitar revestimientos imita también arquitectura o paisajes en la decoración de los espacios arquitectónicos ,con los que se amplían las dimensiones reales de la sala. Resulta muy teatral. Es un estilo de plena creación romana.⠀

Esta época coincide con los momentos de mayor esplendor que vivió Roma, bajo César y Augusto.⠀

En la foto veis un fragmento de los frescos de la villa de Publio Fannio Sinistore en Boscoreale, que actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.⠀

@claseshistoriadelarte y Amaya Torres Castillo⠀

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En mis clases, y también cuando salimos de visita cultural o de viaje, puedo observar que en general la gente se emociona y tiene más capacidad de apreciar el arte que hay en un cuadro o una escultura, pero la arquitectura les resulta más árida.⠀

Sin embargo la arquitectura también es arte porque intenta homenajear la belleza a través de la utilidad y tiene la necesidad de expresar sentimientos y emociones.⠀

Va más allá del simple cumplimiento del afán de hacer un espacio donde las personas se resguarden; detrás de cada edificio hay un proyecto que cuenta una historia, un concepto, una idea que alguien imaginó y que expresa la cultura de una época, de una sociedad.⠀

Y arquitectura no son solo los edificios; es el entorno humano: ciudades, calles, caminos, jardines, horizontes, siluetas así como el entorno más íntimo y cercano al hombre: objetos decorativos, muebles…⠀

Además, todo proyecto está realizado con la colaboración y trabajo de una gran cantidad de profesionales. No es únicamente trazar planos, tiene que dar solución a problemas técnicos; tener en cuenta los materiales, los costos; es decir, aúna un sinfín de disciplinas: ciencias, arte, urbanismo, economía.⠀

Quizás por ser algo tan cercano y habitual en nuestro día a día, nos limitamos a utilizarla y convivir con ella sin pararnos a observarla y apreciarla y darnos cuenta de que representa lo que somos en el amplio sentido de la palabra; la arquitectura ayuda a crear el entorno humano.⠀

Cuando contemplemos un edificio, que seamos capaces de imaginarnos al artesano, arquitecto, ingeniero, artista que participó en él y que quiso dejar su huella, sus sentimientos, su visión de la cultura e historia que le tocó vivir y de alguna manera volver a experimentarlo y disfrutarlo…No deja de ser una manera de viajar en el tiempo ¿no? y de enriquecernos.⠀

Porque Arte es eso, emoción, sensibilidad, creatividad, expresión, intelecto; todo lo que está realizado con la cabeza y el corazón y que crea un diálogo e inquietudes estéticas entre las personas.⠀

¡Feliz y artístico fin de semana!⠀

@claseshistoriadelarte y Amaya Torres Castillo⠀

#claseshistoriadelarte #historiadelarte #arte #arquitectura

Uno de los objetivos o metas más bonitos que puedes alcanzar cuando te dedicas a la enseñanza, en este caso de la historia del arte, no es que la gente se aprenda fechas, artistas, periodos, etc sino ver que tus alumnos se acaban apasionando por el arte y que se emocionan y disfrutan de él tanto como tú, generando tanta curiosidad y ganas de aprender que no les basta con las clases y buscan, investigan, leen… por su cuenta.⠀


Para una alumna que ha compartido más de 9 años de clases, viajes, exposiciones, vinos y charlas, es un honor que le propongan colaborar y ayudar a llevar las redes sociales de alguien a quien admiras y que te ha aportado tanto mostrándote la belleza del arte… bueno  y tener la “osadía” de, desde el mayor de los respetos y humildad, acceder a esta nueva aventura.⠀


Así que, desde hace unos meses, las publicaciones que habéis estado leyendo están realizadas por maestra y alumna con el único propósito de compartir el arte, esperando que disfrutéis de él tanto como nosotras. ⠀


@claseshistoriadelarte y Amaya Torres Castillo.⠀

#claseshistoriadelarte #historiadelarte #arte

Juan Fernández "El Labrador" (1629-1636) es un pintor enigmático debido a las escasas noticias que se tienen de su vida, ya que vivía en el campo, retirado de la vida social de la corte o de cualquier otra ciudad más o menos importante, lo que no era obstáculo para que su fama como pintor llegase a oídos de los amantes del arte y su producción fuese codiciada dentro y fuera de las fronteras españolas, en especial en la corte inglesa, a donde fueron a parar algunos de sus magníficos bodegones.⠀

El apelativo de «labrador» no fue simplemente un seudónimo, sino el reconocimiento de un oficio que nunca abandonaría. El sobrenombre lo adquirió debido a que vivía en el campo, pero también porque se especializó en cuadros que representaban frutos. ⠀

Sobre todo en bodegones de uvas. Blancas, tintas y en todas sus variantes. Presentadas en racimos solitarios que cuelgan con la inesperada presencia de una mosca, o en grupos de dos, tres y cuatro, aparecen suspendidos en la oscuridad, violentamente iluminados y eliminada toda referencia espacial. Un pintor de una misteriosa e indescifrable personalidad, empeñado en un nuevo naturalismo a contracorriente de su tiempo. Crea un poderoso efecto de ilusión y de realidad. ⠀

El aspecto humilde de sus bodegones, sencillos y sumamente realistas, debió de generar gran sorpresa en aquellos tiempos en los que el objetivo era justamente el contrario: la complicación y complejidad.⠀

Si tenéis curiosidad por saber más de este magnífico pintor, echad un vistazo a un video que realizó el @museoprado con motivo de una exposición que le dedicaron (link en mi facebook).⠀

#claseshistoriadelarte #historiadelarte #arte #barrocoespañol #naturalezamuerta #bodegón

Otra historia o leyenda relacionada con el trampantojo es aquella que habla sobre #Giotto, el cual puede ser considerado uno de los artistas más importantes de la Edad Media, y el que quizás fue su maestro, #Cimabue.⠀

Mientras Cimabue estaba distraído, su alumno dibujó una mosca en la tela en la que él estaba trabajando y, al creerla real, él trató de alejarla con la mano. Este hecho convenció al maestro que el alumno le había superado y que había llegado el momento de que él abriese su propio estudio. ⠀

Esta anécdota aparece en el libro que escribió Vasari, "Vida de los grandes pintores": "un día el aún imberbe Giotto dibujó una mosca sobre la nariz de una figura que su maestro Cimabue había apenas terminado. Se cuenta que la mosca era “an viva y natural que, apenas el maestro la vio, hizo varias veces el gesto de espantarla y tuvo que acercarse hasta casi tocar el lienzo para darse cuenta del engaño".⠀

Aquí véis uno de los frescos de Giotto, que se encuentra en San Francisco de Asis.⠀

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Y de la importancia de la mirada en el arte (como en la vida), pasamos al trampantojo o "engaño al ojo".⠀

Comencemos con la historia que se remonta a la época griega, la célebre historia de las uvas de Zeuxis; una de las muchas que se cuentan sobre la pasmosa “capacidad ilusionista" de sus pinturas. ⠀

He aquí la escena, contada por Plinio: Se dice que Parrasio, otro hábil pintor griego, compitió con Zeuxis; éste presentó unas uvas pintadas con tanto acierto que unos pájaros se habían acercado volando a la escena, y aquél presentó una tela pintada con tanto realismo que Zeuxis, henchido de orgullo por el juicio de los pájaros, se apresuró a quitar al fin la tela para mostrar la pintura, y al darse cuenta de su error, con ingenua vengüenza, concedió la palma a su rival, porque él había engañado a los pájaros, pero Parrasio le había engañado a él, que era artista

Se dice también que después Zeuxis pintó a un niño llevando unas uvas, y como quiera que los pájaros fueran volando hasta ellas, con idéntica ingenuidad se mostró irritado con su obra y dijo: “he pintado mejor las uvas que al muchacho pues si lo hubiera hecho a la perfección, los pájaros habrían tenido miedo de él".⠀

La imagen es de un bodegón de nuestro pintor, #Labrador, que podéis contemplar en nuestro @museoprado.⠀

#claseshistoriadelarte #historiadelarte #arte #trampantojo #lasuvasdeZeuxis

Un libro, "40 grandes artistas retratan a sus madres" de Juliet Heslewood, recopila los retratos maternos de cuarenta de los más importantes nombres de la historia del arte.⠀

“Existen muchos más retratos maternos que paternos. Supongo que se debía a que ellas tenían más disponibilidad para posar; ellos trabajaban y solían estar fuera de casa. Aunque hay otro rasgo bastante común entre las madres de los artistas, y es que solían ser las que animaban a sus hijos en su carrera. Los padres, en general, querían que se dedicaran a profesiones más prácticas”- Juliet Heslewood.⠀

La condesa Adèle de #ToulouseLautrec (1883), Museo Toulouse-Lautrec, Albi.⠀

Debido a su enfermedad y discapacidad el conde Alphonse nunca le prestó demasiada atención. La condesa, por el contrario, se centró en su hijo enfermizo y le animó a que practicara la pintura y el dibujo.⠀

Idolatraba a su madre y la retrató infinidad de veces. ⠀

Aquí podemos verla a punto de tomarse una taza de té en el salón del Château de Malromé, una propiedad que acababa de adquirir cerca de Burdeos. ⠀

Al igual que en el resto de retratos que su hijo pintó de ella, su mirada rehúye la del espectador. Lautrec siempre la representa con el mismo aire pensativo y distante, como si fuese un ser humano excepcional al que solo tenemos derecho a contemplar desde lejos.⠀

Cuando el artista murió fue ella quien se encargó de recopilar toda su obra y ayudar a la creación de su museo en Albi.⠀

Celebremos este día pero por todas esas personas que tenemos cerca y que nos apoyan, potenciando nuestra creatividad y nuestras virtudes haciéndonos sentir especiales y fuertes. ⠀

#claseshistoriadelarte #arte #historiadelarte #felizdiadelamadre #postimpresionismo

Ahora que se acerca el día de la madre, que mejor que volver a contemplar cuadros donde se hace referencia a la mujer y su belleza.⠀

Aquí véis un fragmento del cuadro de #Klimt conocido como Las tres edades de la mujer.⠀

La obra representa las tres etapas de la vida, el nacimiento, la madurez y la vejez, haciendo una reflexión sobre el paso del tiempo, el misterio de la vida, la muerte, temas que le interesaban mucho.⠀

En este fragmento vemos a una joven mujer, con piel pálida y pelo rojizo que deja ver su rostro sereno, con algo de coloretes y que esboza una leve sonrisa. Parece una madre ensimismada, con su bebé en brazos. Esta imagen representaría la juventud, la plenitud de la mujer.⠀

Y al bebé, tambíen con su piel pálida y su rostro tranquilo mientras duerme en brazos de su madre. El bebé representaría la primera edad de un ser humano, la niñez.⠀

Esta pintura rememora la importancia del papel de la mujer en la vida.⠀

"No existe ningún autorretrato mío. No me interesa mi propia personalidad como objeto de un cuadro, sino más bien me interesan otras personas, en especial mujeres, otras apariencias... estoy convencido de que como persona no soy especialmente interesante." #Klimt.⠀

¡Feliz día de la madre! o ¡Feliz día de la vida! y disfruten de cada una de sus etapas y de su belleza.⠀

#claseshistoriadelarte #historiadelarte #arte #modernismo #simbolismo #secesión

Una de las miradas más penetrantes que te puedes encontrar, y que pudimos admirar de muy cerquita en uno de nuestros viajes, es esta: Retrato de Inocencio X de Diego #Velázquez. Pintado en 1650, durante su segundo viaje a Roma. Se encuentra en la Galería Doria Pamphili de #Roma. ⠀

Velázquez realizó su segundo viaje a Italia (1649-1651) con el objeto de adquirir pinturas y esculturas para la decoración del Alcázar de Madrid. Durante su estancia tuvo la oportunidad de pintar el retrato del papa, para lo cual consiguió el raro privilegio de que el pontífice posara para él en agosto de 1650. ⠀

A sus setenta y cinco años, seguía poseyendo gran vigor y capacidad de trabajo; se mostraba siempre alerta y desconfiado, infatigable en el desempeño de su cargo al que acababa de ascender , además era colérico e irascible, se podría captar su frialdad y su inexorable desprecio hacia los seres humanos, según podría deducirse de su mirada, pues nuestro genio español captó todo esto y más en la expresión de sus ojos, en su mirada.⠀

Tanto es ssí que se cuenta que cuando el mismo Papa vio el retrato terminado se mostró sorprendido, como si se viera dentro de sí en un espejo, y no pudo reprimirse a exclamar: “…troppo vero” (“…demasiado veraz”), que fue el mayor reconocimiento que pudo hacer de sí mismo y de su alma…y de la genialidad del que lo pintó.⠀

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“Terraza de café por la noche. Place du Forum” de #VanGogh.⠀

Como ya decía Gombrich, Van Gogh descubrió los poderosos efectos emocionales que tenía el color:⠀
- Tanto por saturación, dando tonos puros y llenos de tensión.⠀
- Como por contraposición, hasta el momento nadie se había atrevido a unir colores complementarios como el azul y el naranja con tal sinceridad, prescindiendo de los tonos intermedios. ⠀

De esta forma los colores, en vez de armonizarse entre sí (como era habitual en la pintura clásica), luchan entre ellos, intentan imponerse en la retina del espectador que es incapaz de verlos a la vez y debe moverse de uno a otro, sin posibilidad de una síntesis. ⠀

Este efecto debía ser aún más intenso en los años de vida de Van Gogh, pues su uso de colores de baja calidad han hecho que el cromatismo de los Van Gogh se vaya apagando según pase el tiempo, haciéndolo más agradable pero perdiendo en intensidad.⠀

El propio Van Gogh lo explicaba así, para el tema afectivo: “El amor de dos personas que se quieren debe expresarse mediante el maridaje de dos colores complementarios, mediante su mezcla e integración y mediante la misteriosa vibración de los tonos afines”.⠀

Se puede decir que ya el mundo visual ha estallado en pedazos para reconvertirse en formas y colores imaginados por el autor. Recursos que utiliza en plena libertad para transmitir un mensaje.⠀

Él quiere investigar la naturaleza para manipularla a capricho de su estado de ánimo, el cuadro quiere ser una ventana, pero no en el sentido albertiano sino que es una ventana abierta al interior del artista: Subjetivismo puro.⠀

El hombre se ha quedado sólo, sin más certezas que las suyas propias y sólo puede intentar la reconstrucción de la realidad apelando a su corazón o a la geometría (como haría Picasso), a su subconsciente (los surrealistas) o a la música (Kandinsky) por ejemplo.⠀

Van Gogh es uno de los primeros que nos muestra esta terrible fragilidad humana.⠀

A pesar de ello, o teniéndolo en cuenta….disfruten de estas noches de primavera que se acercan, de sus colores, de las emociones, de los momentos y vívanlo lo más intensamente que puedan.⠀

#claseshistoriadelarte #historiadel

El poeta. Eugène Boch de 1888 de #VanGogh.⠀

El protagonista del cuadro en realidad es el pintor belga Eugène Boch, que estuvo viviendo unos meses en Fontvieille.⠀

“Quisiera hacer el retrato de un amigo artista que sueña grandes sueños, que trabaja como canta el ruiseñor, porque esa es su naturaleza. Este hombre será rubio. Me gustaría plasmar en la obra mi aprecio, el amor que siento por él. Le pintaré entonces tal cual es, tan fielmente como pueda, para empezar. ⠀

Pero el cuadro aún no estará acabado. Para acabarlo, me convertiré en un colorista arbitrario. Exageraré el rubio del cabello, utilizando tonos naranjas, cromo, amarillo pálido. Tras la cabeza, en vez de pintar la pared aburrida de la mezquina habitación, pintaré el infinito. Haré un fondo sencillo del azul más rico, más intenso que pueda preparar, y mediante esta simple combinación, la cabeza rubia iluminada contra este rico fondo azul, conseguiré un efecto misterioso, como una estrella en el azul profundo.” ⠀

“Gracias a él, por fin, tengo un primer boceto de la pintura sobre la que llevaba tanto tiempo soñando, el poeta. Posó para mi. Su delicada cabeza, con su mirada verde, destaca sobre un cielo estrellado ultramar profundo; viste una pequeña chaqueta amarilla, un cuello de lino sin blanquear y una corbata de colores. Me regaló dos posados en un día.” - Extractos de sus cartas a su hermano Theo.⠀

Vincent colgó el retrato de Eugène Boch encima de su cama, como cuenta en sus cartas y como podemos comprobar en la primera versión que pintó de El dormitorio de Van Gogh en Arlés.⠀

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#VanGogh fue otro artista que pintó una gran cantidad de autorretratos, desde su juventud hasta su muerte, que nos ha servido para saber de sus anhelos y estados de ánimo.⠀

Los autorretratos de Van Gogh vienen dados porque necesitaba estudiar las figuras. Su interés por las personas y la anatomía era acusado, pero no era fácil encontrar modelos que se prestasen a posar por poco dinero o por amistad. Por este motivo se vuelve en varias ocasiones sobre su rostro, con la ayuda de un espejo haciéndose un autorretrato.⠀

Utilizó gran variedad de técnicas para pintarlos, con diferentes colores y pinceladas más o menos expresivas, pero en todos ellos encontramos la misma mirada intensa. Tan sincera y desnuda que intimida.⠀

Este es un autorretrato de 1887.⠀

El fondo está pintado a base de pequeños trazos azul oscuro que parecen irradiar de su cabeza, formando una especie de aura. Es como si toda su fuerza vital, concentrada dentro de su mente, entre los ojos, saliese de golpe en un violento estallido de color. ⠀

Su obra se caracteriza por la utilización de colores vivos (y muy matéricos), el abandono del naturalismo, las formas que parecen moverse o caerse....⠀

Su pintura es emocionante, atemporal, brutalmente sincera, muy popular (los niños, por ejemplo, son capaces de percibir su expresividad), fresca y espontánea (que hace que se perciba la necesidad imperante que tenía de pintar).⠀

“Se dice -y yo así lo creo- que es difícil conocerse uno mismo; pero tampoco es fácil pintarse a uno mismo. En este momento trabajo autorretratos; a falta de otro modelo, me pinto a mí mismo.” Vincent a Theo.⠀

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Aquí podéis contemplar el autorretrato que se hizo como San Pablo.⠀

Cabeza con turbante blanco y amarillo. Se vuelve al espectador. Mirada tremendamente humana pero a pesar de todo trasmite grandeza y dignidad, aunque podemos apreciar las huellas de su edad avanzada. Se retrata como un pensador preocupado por problemas espirituales.⠀

A lo largo de su vida, fue modificando su estilo aunque manteniendo su gusto por la espontaneidad: en sus comienzos predominan las pinceladas minuciosas de factura casi caligráfica, muy esmerada; durante su juventud y madurez fue ganando fuerza y expresividad, capacidad de captar el movimiento y también psicologías mientras sus pinceladas se hacían más libres, y en sus últimos años se decantó por el intimismo y la recreación del alma humana, alcanzando una gran libertad creativa, tanta que llegó a aplicar pintura con los dedos, sin utensilios.⠀

#Mantegna, #LeonardoDaVinci, #Durero o #Rubens fueron influencias claras para él, así como el tenebrismo de #Caravaggio, pero adoptó sus técnicas a un estilo personalísimo, suavizándolas y llenándolas de matices.⠀

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#Rembrandt, muestra sus ojos profundos en su famoso autorretrato de 1659. ⠀

Estos ojos destacan por ser tan humanos, tan realistas y cercanos, dejando ver su alma a través.⠀

Se le ve cansado, mayor, pero sigue conservando su dignidad de siempre. Deja la parte inferior del lienzo abocetada, iluminando un poco las manos, sus herramientas de trabajo, las que le habían convertido en el gran pintor que era. ⠀

Pero el foco de atención del cuadro vuelve a ser el rostro, la parte del lienzo más acabada e iluminada. ⠀

Los retratos de Rembrandt impactan por su realismo. Es un pintor que no oculta nada, que se nos presenta tal y como es. ⠀

La mirada es más vidriosa que en otroa autorretratos suyos anteriores, pero conserva intacta su determinación y fuerza interior.⠀

Los autorretratos de Rembrandt componen una biografía única en la Historia del Arte, pues se conocen más de cien. Suponen la expresión íntima de más de cuarenta años de vida e indican cómo cambió, a lo largo del tiempo, su concepto de sí mismo: de joven se veía como un ciudadano alegre y seguro, acomodado y emprendedor; en su madurez se representó como un hombre equilibrado y, en su vejez, como un genio conocedor de los secretos de la vida interior.⠀

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En estos días en los que parece que cada vez hay que "consumir" más imágenes y más información de manera rápida, quizás viene bien recordar que no es lo mismo escuchar que oir u observar que mirar así que, parémonos un poco y disfrutemos.⠀

Cuando contemplamos un retrato ¿os habéis fijado en la fuerza cautivadora que puede tener los ojos del personaje? ¿No son acaso los ojos la mirada del alma? así que, quizás debiéramos siempre recurrir a su mirada para descubrir, de verdad, de quién se trata.⠀

Pero no solo apreciaremos la personalidad del personaje, también del autor de la pintura ¿no creéis?....⠀

Porque una obra de arte va más allá de lo que está representando, es algo más que los materiales, la técnica, los colores, las formas, el formato, o las influencias.....en ella están el alma del artista y de lo representado. ⠀

Bueno y también la mirada del espectador, porque la misma obra puede adquirir un significado totalmente distinto dependiendo de los ojos con los que miremos. Incluso en distintos momentos de nuestras vidas nos dicen cosas distintas ¿no?⠀

Todo esto hace que el arte sea eterno y bello, en el amplio sentido de la palabra.⠀

Seguro que sois capaces de reconocer viendo estos ojos, tanto el cuadro como el artista....⠀

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#Bernini era un prodigioso artesano que había aprendido el oficio junto a su padre, también escultor. Jamás fue al colegio, no sabía latín y desde niño se escapaba de las horas de trabajo en Santa Maria Maggiore hasta la que fue su única escuela: los Museos Vaticanos. Allí observaba el Torso de Belvedere o el Apollo y hacía sus primeros bocetos. ⠀

“En “Apolo y Dafne” de Bernini, lo clásico se transforma en moderno; la piedra parece transformarse en carne, que toma la apariencia de la forma arbórea, ante nuestros ojos. Lo que es invisible, el viento, es visiblemente presente; lo que de hecho es pesado, el mármol, parece liviano; lo que parece natural, es muy artificial; lo que es realmente rígido parece blando; lo que parece ser carne, es piedra. Lo que es exquisitamente ingenioso parece ingenuo, lo que evoca el flujo del tiempo es eterno, lo que es silencio parece llorar, el llanto de Dafne, que evoca palabras, nuestras palabras, mudas”. Paul Barolsky, autor de libros como: Bernini and Ovid, Source: Notes in the History of Art, Vol.16 o Ovid, Bernini, and the Art of Petrification, Arion: A Journal of Humanities and the Classics, Vol.13.⠀

Vista la escultura de cerca es todo esto y más....recuerdo la sensación de, que si tocásemos las hojas de laurel se desharían o el contraste de texturas entre la superficie pulida de los cuerpos y la rugosidad del árbol en el que se está transformando Dafne....todo un virtuosismo del #Barroco y de la historia del arte.⠀

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La contraposición de los elementos y el uso del claroscuro reflejan la fuente de la #escultura #helenística de la que bebe #Bernini. ⠀

También en el periodo helenístico existía esta percepción de Apolo como un muchacho andrógino, joven y delgado, con un peinado casi femenino, aspectos representados también en esta estatua.⠀

Esta escultura se inspiró en el Apolo Belvedere de Leocares. ⠀

El grito de horror de Dafne y el rostro perplejo de Apolo nos muestran un contraste de actitudes. Esta preocupación por la expresividad muestra una gran utilización del pathos (capacidad del personaje de mostrar sus sentimientos) tan presente en la escultura griega helenística.⠀

Pero el dinamismo, las diagonales y los paños flotantes, además de las posturas forzadas, la teatralidad y la importancia de las manos y la mirada son tambíen características del #Barroco. Además de la importancia de las texturas y la luz, que buscan el naturalismo y el impacto sobre el espectador. ⠀

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