#справочник_искусствоведа

9 posts

TOP POSTS

#справочник_искусствоведа

Где хранятся все ценности музеев и галерей? Постоянная экспозиция - это далеко не все наполнение.
Хранилище музейных экспонатов, не включенных в экспозицию, носит название "Запасник". Запасники - своеобразная коллекция, которая формируется за годы существования музея. В крупных заведениях количество работ в отделах хранения зачастую переваливает за сотни тысяч. Так, например, Музей Москвы имеет около 750 тысяч единиц искусства. Это живопись, скульптура, книги, фотографии и даже предметы быта.

Версия о том, что запасники скрывают от публики шедевры - это миф. Нужно понимать, что коллекции музеев постоянно пополняются, запросы публики меняются, каким-то экспонатам требуется реставрация и специальные условия хранения.

Почему происходит так, что шедевры скрыты от глаз посетителей?

Во-первых, музейщики трепетно относятся к сохранности работ. В Пушкинском музее уже больше 370 тысяч экспонатов выполненных на бумаге. Согласно правилам хранения, бумага может находиться на освещении не больше трех месяцев. Иначе она разрушается: приобретает желтый оттенок и высыхает. Соответственно, памятник культуры может исчезнуть.

Во-вторых, не весь материал представляет всеобщий интерес. Предположим, что имеется большой материал не крупного художника. Из 30 его работ выставляют, к примеру, только пять. Естественно, это будут самые яркие работы, которые прекрасно описывают стиль и технику автора.

В-третьих, не все экспонаты совершенно нерентабельны. Многие предметы, что хранятся в запасниках, ждут своего часа. Некоторые работы из коллекций находятся на временных экспозициях других площадок.

Некоторые музеи развеивают легенду хранилищ. С 2014 года Политехнический музей проводит экскурсии в, так называемые, "Открытые фонды Политеха". Любой интересующийся может посмотреть на музейную жизнь изнутри. Третьяковская галерея организовывала выставку под названием "Третьяковская галерея раскрывает запасники". ГМИИ имени Пушкина запускал спецпроект, в котором предлагалось проголосовать за экспонат из запасника музея. Победивший предмет был выставлен в постоянной экспозиции ГМИИ. Им стала древняя ассирийская клинописная плита.

#справочник_искусствоведа

Продолжаем погружаться в мир искусства и изучаем важные термины. Сегодня обсудим абстрактную живописную технику, которую часто использовали художники-экспрессионисты.

Понятие "живопись действия" происходит от английского Action Painting. Живопись действия - наиболее заметное художественное направление США в XX веке.
Суть такова: краска наносится на холст не равномерно, а разбрызгивается, наливается, распыляется и т.д.

Создателем техники является идеолог американского абстрактного экспрессионизма Джексон Поллок, который входит в число великих художников-беспредметников.
В 1947 году он создал технику "дриппинга". Художник отказался от традиционных форм и приемов, расстелив холст прямо на полу своей мастерской. Вместо кистей Джексон брызгал краску из банок, использовал нож и мастахин, добавлял песок, стекло и фактурные инструменты. Революционные подходы Поллока быстро превратились в бурные обсуждения и принесли ему невероятный успех. Абстракционист утверждал, что манера его письма не до конца бессознательна, она подчиняется художественной воле творца. Зачастую новатор писал картины публично, разыгрывая целый спектакль: его движения были точны, краска наносилась так, как того требовал замысел. Процесс создания картины стал выше самого результата.

В чем причина появления живописи действия?
Абстрактное искусство всегда символизировало некую свободу. В послевоенное время весь мир пребывал в стадии кризиса. Искусство не исключение. "Живопись действия" - необходимость, которая перенесла эстетическую ценность картины на другой уровень. Теперь требовалось другое - задокументировать процесс творения, создать перформанс. Работы художника больше не находились на станковом уровне. Жест художника становится куда важнее.

Необходимо отметить, что период "живописи действия" в искусстве проложил путь к современным формам: поп-арту, перформансу, акциям, хеппинингу и др. О них мы обязательно поговорим позже.

На фото: Джексон Поллок за работой.

#справочник_искусствоведа

Швейцарский город Цюрих становится центром культурной революции в 1916 году. Художники, поэты, скульпторы, публицисты, объединенные ужасом Первой мировой войны, бегут в нейтральный городок и создают новое направление искусства - Дадаизм.
Термин "дадаизм" берет свои истоки от первых бессвязных звуков "да-да", которые произносят дети. Такая идея родилась у одного из идеологов движения - поэта Тристана Тцара. Существуют другие расшифровки "дада", например, "деревянная игрушечная лошадка" с французского или африканское слово обозначающее "хвост коровы". Любая интерпретация наименования соответствует принципам дадаистов. Давайте разберемся, что повлияло на возникновение группы и чем руководствовались последователи в своем творчестве.

Первые слова, что приходит на ум при изучении дадаизма - разочарованность, бессмысленность, протест. Дадаисты считали войну бессмысленной. По их мнению, человечество губит себя, создавая и совершенствуя оружие, а значит прогресс абсолютно бессмыслен. Молодые интеллектуалы критиковали существовавшую политику, которая привела к жестокости. Произведения искусства приверженцев "дада" были такими же, как и действительность - нелогичными, случайными, без особого смысла.
Творцы активно работали в жанре ready-made, представляя обыденные предметы, объектами искусства. Так, например, ни один учебник по искусству не проходит мимо знаменитого "Фонтана" Марселя Дюшана. "Фонтан", на самом же деле, обыкновенный писсуар с подписью и датой создания. Такой ироничный протест вызвал бурю эмоций. Дюшан данной работой показал, что лишь художник может решать, что является предметом искусства и какова его цена.
Не менее популярными среди дадаистов были жанры - коллаж, ассамбляж, фотомонтаж. Поэты часто использовали бессвязные звуки. Например, Тристан Тцара в стихотворениях резко обрывал привычную речь. Продолжение в комментариях⬇️

#справочник_искусствоведа "Баухаус" — высшая школы строительства и художественного конструирования Германии. С немецкого слово Bauhaus переводится, как "дом строительства". Сегодня мы поговорим о баухаусе, как о художественном архитектурном объединение, которое возникло на базе школы. История баухауса начинается в 1919 году. Идейный вдохновитель течения — молодой архитектор из Берлина Вальтер Гропиус. Он же стал первым директором школы строительства в Ваймаре. Гропиус описал основную идею объединения в книге "Границы архитектуры": "Мы хотим вместе придумывать и создавать новое здание будущего, где все сольется в едином образе: архитектура, скульптура, живопись, — здание, которое, подобно храмам, возносившимся в небо руками ремесленников, станет кристальным символом новой, грядущей веры." Что толкнуло архитекторов к поиску новых решений? Эпоха активной индустриализации. Баухаусовцы считали, что форма должна соответствовать процессу изготовления. Архитекторы и художники отказываются от всевозможного декорирования зданий, в ожидании, что городское пространство очистится благодаря этому. Преподаватели школы и приверженцы движения мечтали создать дизайн, способный удовлетворить массового потребителя. Они стремились соединить в промышленных товарах эстетику, доступность и функциональность.
Таким образом, перед нами возникает следующее здание: - Минимальное количество орнамента, - Появляется нарушение симметрии или ее повторение, - Максимально эффективное использование пространства здания, - Геометрические конструкции, - Нейтральные цвета.
В Баухаусе преподавали: Василий Кандинский - живопись и фреска, Пауль Клее - витраж, Ласло Мохой-Надь - обработка металла, Эль Лисицкий - супрематические композиции, Тео ван Дусбург — «Де стиль». Высшая школа строительства Баухаус была закрыта в 1933 году. Национал-социалисты видели в ней корни коммунизма. Но сторонники продолжили развитие идей объединения.
Найти материалы нашего "Справочника искусствоведа" можно с помощью хэштегов:
#справочник_искусствоведа или #артимекс_изучает

#справочник_искусствоведа

Друзья, продолжаем изучать мир искусства. Сегодня поговорим о иконописи. Если конкретнее, речь пойдет об одном из ее основных типов изображения Богоматери.
Термин Елеу́са происходит от греческого Ελεούσα, что в переводе означает "Милующая". Этот тип икон получил на Руси название "Умиление". В греческой иконописании подобные изображения связаны со словом "Гликофилуса" (γλυκυφιλουσα), которое на русском языке означает "Сладкое лобзание".
На иконе типа Елеуса изображена Богородица, которая держит на руках младенца. Образ, как правило, поясной, но встречается разновидность оплечного изображения. Главная отличительная особенность - Иисус припадает к щеке Богоматери. Голова Богородицы склоняется к Сыну. Елеу́са, пожалуй, самый лиричный из разновидностей иконографии. Он открывает личную, тайную сторону общения Матери с Сыном, души с Богом. Жанр близкий к Елеусу - "Взыграние", где младенец написан в свободной позе, касающийся рукой лика Богородицы.
Яркий пример Елеуса - это "Владимирская икона Божией Матери". По приданиям, автором ее сюжета является евангелист Лука. На Русь икона попадает в качестве подарка еще в начале XII века из Византии. Она является памятником византийского искусства и основой для иконографий, возникших позже. Необычная черта "Владимирской иконы Божией Матери" - изображение Младенца Христа. Он расположен таким образом, что мы видим его "пяточку".
Также к типу иконографии Богородицы "Елеуса" относятся следующие иконы: Донская, Жировицкая, Ярославска и другие иконы.
Помимо того типа, который мы изучили сегодня, существует еще несколько основных техник изображения Богородицы - Оранта, Одигитрия, Панахранта. 🔎Изображение: Феофан Грек "Донская икона Божией Матери".

#справочник_искусствоведа
⠀ Общество художников под названием "Голубая роза" сформировалось после одноименной выставки 1907 года в Москве. Сейчас это событие соотносят с периодом русского символизма. Основная часть сплотившихся художников заявила о себе в рамках другого мероприятия - "Алая роза" - которое состоялась тремя годами ранее. На выставке 1904 года в Саратове принимали участие Врубель и Борисов-Мусатов. Считается, что новое поколение художников берет корни именно с традиций и техник этих творцов. В художественный круг "голуборозовцев" входили такие мастера, как Н.Крымов, П.Кузнецов, А.Матвеев, Н.Сапунов, М.Сарьян, С.Судейкин, П.Уткин и другие. Помимо художников, к обществу присоединились скульпторы и поэты. Например, Александр Матвеев и Константин Бальмонт.
 Давайте поговорим о главных принципах и настроениях "голуборозовцев". Критик Сергей Маковский назвал первую выставку "Голубой розы" - "часовня для немногих". Выставка носила тихий созерцательный характер. Молодых художников влекла поэтика символов, романтические темы, образы будто из сновидений. Большое внимание уделялось музыке. Живописцы старались наделить полотна музыкальным наполнением и объединить жанры искусства. Что касается цветового содержания и формы, то чаще всего художники использовали нежные, чуть туманные оттенки и ускользающие формы. Сюжет выстраивался не из конкретных образов, а ассоциаций, которые создавались с помощью специальных приемов: матовость, мерцания, отражения, непривычные ракурсы. Посредством живописи коллектив "Голубой розы" пытался показать яркость и хрупкость чувств человека. После того, как круг "Голубая роза" прекратил существование, многие художники ушли из символизма, но продолжали творить в романической манере. Страсть к символам, что объединяла их изначально, все равно осталась основой работы мастеров нового поколения.

#справочник_искусствоведа
 Среди венецианских художников 18 века был популярен городской пейзаж. Мастера детально изображали на картинах повседневные виды. Такой жанр получил название - Ведута, что с итальянского означает "вид". Понятие возникло именно в Венеции. Венецианцы именовали ведутами картины, гравюры и рисунки "города на воде", изображенные с высокой точностью. Самый известный художник-ведутист - Джованни Антонио Каналь, именовавший себя Каналетто. Он начал писать свои знаменитые виды Венеции, после поездки в Рим. Там Каналь был вдохновлен работами местного художника Джованни Паоло Панини, который изображал на картинах достопримечательности Рима. Ранние работы Каналетто написаны с натуры, без предварительных эскизов и набросков. Позднее мастер использует камеру-обскуру, для более точного и детального изображения города на картинах. Чаще всего автор пейзажей изображал каналы и площади Венеции. В его работах соединились поэтичность и естественность городской среды. Картины Каналетто пользовались популярностью у европейских аристократов, приезжавших в Венецию в образовательных целях. Знаменитое полотно мастера «Праздник обручения венецианского дожа с Адриатическим морем» находится в Государственном музее изобразительных искусств имени А.С. Пушкина. Мастера ведуты творили по всему миру. Например, в России работал в жанре городского пейзажа Фёдор Яковлевич Алексеев. Его карьера началась в Венеции, куда он попал, получив медаль художественного училища, которая позволила продолжить обучение живописи за рубежом. Вернувшись в Россию, сначала копирует работы итальянцев, а после начинает свою серию пейзажей. В 1794 году получает почетное звание академика и признание, за пейзажи Санкт-Петербурга. Коллеги часто называли Алексеева «русским Каналетто».

Материалы "Справочника искусствоведа" под хэштегами:
#справочник_искусствоведа или #артимекс_изучает

🍀Делитесь знаниями с друзьями!
🎨Instagram: instagram.com/artimex.ru
📱ВКонтакте: vk.com/artimex_ru
🖥Загляните на наш сайт, чтобы подобрать для себя лекцию: www.artimex.ru

#справочник_искусствоведа
Сегодня рассмотрим итальянский художественный стиль, который возник в конце XVI века — Барокко.
Барокко с итальянского переводится, как "причудливый". Стиль приходит на смену искусству великой эпохи Ренессанса. Теперь художники ставят в центр творчества столкновения человека с миром, разума с чувствами.
Отличительные черты эпохи барокко — динамичность, пышность, экспрессия, высокая контрастность. Барочный человек отрицает естественные процессы, противопоставляя им некую вычурность. Мышление человека явно отличается от средневекового. Новый тип не видит прежней гармонии. Мир воспринимается в противопоставлении.
Говоря о живописи барокко, нельзя не назвать крупнейших мастеров - Караваджо и Рубенса.
Итальянец Микела́нджело Меризи да Карава́джо изображает чувственных, буквально залитых светом персонажей. Кстати, именно он начинает использовать резкое противопоставление света и тени.
Фламандский живописец Питер Пауль Рубенс также воплощает в своих работах черты барокко. Краски, разнообразные жесты, эксперименты с композицией — Рубенс отказывается от традиционных линий.
В архитектуре барокко появляется большое количество скульптур на фасадах, например, мифические атланты, набирают популярность коллонады и пилястры. Известные архитекторы — Карло Мадерна, Лоренцо Бернини, граф Растрелли.
Музыка эпохи также усложняется. Игра на инструментах активно развивается, появляются оперы. Одно из известнейших музыкальных произведений барокко — «Времена года» Антонио Вивальди.
Конечно, нужно отметить, что искусство эпохи барокко тяготеет к синтезу. Произведения искусства стремятся соединиться с другими. Мастер мыслит не только, как художник или скульптор, а как декоратор.
#лекторий #искусство #лекциипоискусству #мастерклассыпоискусству #лекциивмоскве #артимекc #лекторийартимекс #лекциипоискусствувмоскве #Москва #афишамосква #афиша #лекция #москва24 #живопись #барокко #рубенс #вивальди #караваджо #бернини #стилиискусства

Наша новая еженедельная рубрика "Справочник искусствоведа"

Абстракционизм - направление, основу которого составляет стремление отказаться от реалистичного изображения объектов и форм. Абстракционисты пытаются создать гармонию с помощью цветовых решений и геометрических фигур. Абстракционизм можно делить на два вида: геометрическая абстракция и лирическая абстракция. Первое направление тяготело к точным геометрическим формам, второе предпочитало свободные движения. Абстракционизм рождается в начале 20 века. В 1910 году Василий Кандинский пишет "Первую абстрактную акварель". Художник выбирает для себя путь дальнейшего творчества — беспредметность. Содержание и смыслы картины выражаются в форме и цвете. На следующий год Кандинский презентует в Германии свою знаменитую книгу «О духовном в искусстве», в которой излагает основные принципы своей работы. Воплощение внутренних состояний, по его мнению, куда важнее внешних. Яркие представители абстракционизма: Пит Мондриан, Василий Кандинский, Казимир Малевич, Наталья Гончарова, Михаил Ларионов и другие. Каждый из них внес свой весомый вклад в развитие искусства. Так, например, Михаил Ларионов создал одно из ответвлений раннего абстракционизма - "Лучизм", о котором мы обязательно поговорим позже. А Казимир Малевич основал "Супрематизм", который также является разновидностью абстракционизма. Абстракционизм продолжает развиваться. Тенденция наших дней — развитие сюжета в беспредметной живописи (конкретные ассоциации) и изучение пространства белого цвета.
Найти материалы нашего "Справочника искусствоведа" можно с помощью хэштегов:
#справочник_искусствоведа или #артимекс_изучает
Если Вы также неравнодушны к миру искусства, как и мы, присоединяйтесь! 📱Facebook: www.facebook.com/artimex.ru 🖥Загляните на наш сайт, чтобы подобрать для себя лекцию: http://www.artimex.ru/ 🍀Делитесь знаниями с друзьями!
#лекторий #искусство #лекциипоискусству #мастерклассыпоискусству #лекциивмоскве #артимекc #лекторийартимекс #лекциипоискусствувмоскве #Москва #афишамосква #афиша #лекция #москва24 #живопись #современноеискусство #словарь #абстракционизм #кандинский #мондриан #малевич

MOST RECENT

#справочник_искусствоведа

Где хранятся все ценности музеев и галерей? Постоянная экспозиция - это далеко не все наполнение.
Хранилище музейных экспонатов, не включенных в экспозицию, носит название "Запасник". Запасники - своеобразная коллекция, которая формируется за годы существования музея. В крупных заведениях количество работ в отделах хранения зачастую переваливает за сотни тысяч. Так, например, Музей Москвы имеет около 750 тысяч единиц искусства. Это живопись, скульптура, книги, фотографии и даже предметы быта.

Версия о том, что запасники скрывают от публики шедевры - это миф. Нужно понимать, что коллекции музеев постоянно пополняются, запросы публики меняются, каким-то экспонатам требуется реставрация и специальные условия хранения.

Почему происходит так, что шедевры скрыты от глаз посетителей?

Во-первых, музейщики трепетно относятся к сохранности работ. В Пушкинском музее уже больше 370 тысяч экспонатов выполненных на бумаге. Согласно правилам хранения, бумага может находиться на освещении не больше трех месяцев. Иначе она разрушается: приобретает желтый оттенок и высыхает. Соответственно, памятник культуры может исчезнуть.

Во-вторых, не весь материал представляет всеобщий интерес. Предположим, что имеется большой материал не крупного художника. Из 30 его работ выставляют, к примеру, только пять. Естественно, это будут самые яркие работы, которые прекрасно описывают стиль и технику автора.

В-третьих, не все экспонаты совершенно нерентабельны. Многие предметы, что хранятся в запасниках, ждут своего часа. Некоторые работы из коллекций находятся на временных экспозициях других площадок.

Некоторые музеи развеивают легенду хранилищ. С 2014 года Политехнический музей проводит экскурсии в, так называемые, "Открытые фонды Политеха". Любой интересующийся может посмотреть на музейную жизнь изнутри. Третьяковская галерея организовывала выставку под названием "Третьяковская галерея раскрывает запасники". ГМИИ имени Пушкина запускал спецпроект, в котором предлагалось проголосовать за экспонат из запасника музея. Победивший предмет был выставлен в постоянной экспозиции ГМИИ. Им стала древняя ассирийская клинописная плита.

#справочник_искусствоведа

Продолжаем погружаться в мир искусства и изучаем важные термины. Сегодня обсудим абстрактную живописную технику, которую часто использовали художники-экспрессионисты.

Понятие "живопись действия" происходит от английского Action Painting. Живопись действия - наиболее заметное художественное направление США в XX веке.
Суть такова: краска наносится на холст не равномерно, а разбрызгивается, наливается, распыляется и т.д.

Создателем техники является идеолог американского абстрактного экспрессионизма Джексон Поллок, который входит в число великих художников-беспредметников.
В 1947 году он создал технику "дриппинга". Художник отказался от традиционных форм и приемов, расстелив холст прямо на полу своей мастерской. Вместо кистей Джексон брызгал краску из банок, использовал нож и мастахин, добавлял песок, стекло и фактурные инструменты. Революционные подходы Поллока быстро превратились в бурные обсуждения и принесли ему невероятный успех. Абстракционист утверждал, что манера его письма не до конца бессознательна, она подчиняется художественной воле творца. Зачастую новатор писал картины публично, разыгрывая целый спектакль: его движения были точны, краска наносилась так, как того требовал замысел. Процесс создания картины стал выше самого результата.

В чем причина появления живописи действия?
Абстрактное искусство всегда символизировало некую свободу. В послевоенное время весь мир пребывал в стадии кризиса. Искусство не исключение. "Живопись действия" - необходимость, которая перенесла эстетическую ценность картины на другой уровень. Теперь требовалось другое - задокументировать процесс творения, создать перформанс. Работы художника больше не находились на станковом уровне. Жест художника становится куда важнее.

Необходимо отметить, что период "живописи действия" в искусстве проложил путь к современным формам: поп-арту, перформансу, акциям, хеппинингу и др. О них мы обязательно поговорим позже.

На фото: Джексон Поллок за работой.

#справочник_искусствоведа

Друзья, продолжаем изучать мир искусства. Сегодня поговорим о иконописи. Если конкретнее, речь пойдет об одном из ее основных типов изображения Богоматери.
Термин Елеу́са происходит от греческого Ελεούσα, что в переводе означает "Милующая". Этот тип икон получил на Руси название "Умиление". В греческой иконописании подобные изображения связаны со словом "Гликофилуса" (γλυκυφιλουσα), которое на русском языке означает "Сладкое лобзание".
На иконе типа Елеуса изображена Богородица, которая держит на руках младенца. Образ, как правило, поясной, но встречается разновидность оплечного изображения. Главная отличительная особенность - Иисус припадает к щеке Богоматери. Голова Богородицы склоняется к Сыну. Елеу́са, пожалуй, самый лиричный из разновидностей иконографии. Он открывает личную, тайную сторону общения Матери с Сыном, души с Богом. Жанр близкий к Елеусу - "Взыграние", где младенец написан в свободной позе, касающийся рукой лика Богородицы.
Яркий пример Елеуса - это "Владимирская икона Божией Матери". По приданиям, автором ее сюжета является евангелист Лука. На Русь икона попадает в качестве подарка еще в начале XII века из Византии. Она является памятником византийского искусства и основой для иконографий, возникших позже. Необычная черта "Владимирской иконы Божией Матери" - изображение Младенца Христа. Он расположен таким образом, что мы видим его "пяточку".
Также к типу иконографии Богородицы "Елеуса" относятся следующие иконы: Донская, Жировицкая, Ярославска и другие иконы.
Помимо того типа, который мы изучили сегодня, существует еще несколько основных техник изображения Богородицы - Оранта, Одигитрия, Панахранта. 🔎Изображение: Феофан Грек "Донская икона Божией Матери".

#справочник_искусствоведа

Швейцарский город Цюрих становится центром культурной революции в 1916 году. Художники, поэты, скульпторы, публицисты, объединенные ужасом Первой мировой войны, бегут в нейтральный городок и создают новое направление искусства - Дадаизм.
Термин "дадаизм" берет свои истоки от первых бессвязных звуков "да-да", которые произносят дети. Такая идея родилась у одного из идеологов движения - поэта Тристана Тцара. Существуют другие расшифровки "дада", например, "деревянная игрушечная лошадка" с французского или африканское слово обозначающее "хвост коровы". Любая интерпретация наименования соответствует принципам дадаистов. Давайте разберемся, что повлияло на возникновение группы и чем руководствовались последователи в своем творчестве.

Первые слова, что приходит на ум при изучении дадаизма - разочарованность, бессмысленность, протест. Дадаисты считали войну бессмысленной. По их мнению, человечество губит себя, создавая и совершенствуя оружие, а значит прогресс абсолютно бессмыслен. Молодые интеллектуалы критиковали существовавшую политику, которая привела к жестокости. Произведения искусства приверженцев "дада" были такими же, как и действительность - нелогичными, случайными, без особого смысла.
Творцы активно работали в жанре ready-made, представляя обыденные предметы, объектами искусства. Так, например, ни один учебник по искусству не проходит мимо знаменитого "Фонтана" Марселя Дюшана. "Фонтан", на самом же деле, обыкновенный писсуар с подписью и датой создания. Такой ироничный протест вызвал бурю эмоций. Дюшан данной работой показал, что лишь художник может решать, что является предметом искусства и какова его цена.
Не менее популярными среди дадаистов были жанры - коллаж, ассамбляж, фотомонтаж. Поэты часто использовали бессвязные звуки. Например, Тристан Тцара в стихотворениях резко обрывал привычную речь. Продолжение в комментариях⬇️

#справочник_искусствоведа
⠀ Общество художников под названием "Голубая роза" сформировалось после одноименной выставки 1907 года в Москве. Сейчас это событие соотносят с периодом русского символизма. Основная часть сплотившихся художников заявила о себе в рамках другого мероприятия - "Алая роза" - которое состоялась тремя годами ранее. На выставке 1904 года в Саратове принимали участие Врубель и Борисов-Мусатов. Считается, что новое поколение художников берет корни именно с традиций и техник этих творцов. В художественный круг "голуборозовцев" входили такие мастера, как Н.Крымов, П.Кузнецов, А.Матвеев, Н.Сапунов, М.Сарьян, С.Судейкин, П.Уткин и другие. Помимо художников, к обществу присоединились скульпторы и поэты. Например, Александр Матвеев и Константин Бальмонт.
 Давайте поговорим о главных принципах и настроениях "голуборозовцев". Критик Сергей Маковский назвал первую выставку "Голубой розы" - "часовня для немногих". Выставка носила тихий созерцательный характер. Молодых художников влекла поэтика символов, романтические темы, образы будто из сновидений. Большое внимание уделялось музыке. Живописцы старались наделить полотна музыкальным наполнением и объединить жанры искусства. Что касается цветового содержания и формы, то чаще всего художники использовали нежные, чуть туманные оттенки и ускользающие формы. Сюжет выстраивался не из конкретных образов, а ассоциаций, которые создавались с помощью специальных приемов: матовость, мерцания, отражения, непривычные ракурсы. Посредством живописи коллектив "Голубой розы" пытался показать яркость и хрупкость чувств человека. После того, как круг "Голубая роза" прекратил существование, многие художники ушли из символизма, но продолжали творить в романической манере. Страсть к символам, что объединяла их изначально, все равно осталась основой работы мастеров нового поколения.

#справочник_искусствоведа
 Среди венецианских художников 18 века был популярен городской пейзаж. Мастера детально изображали на картинах повседневные виды. Такой жанр получил название - Ведута, что с итальянского означает "вид". Понятие возникло именно в Венеции. Венецианцы именовали ведутами картины, гравюры и рисунки "города на воде", изображенные с высокой точностью. Самый известный художник-ведутист - Джованни Антонио Каналь, именовавший себя Каналетто. Он начал писать свои знаменитые виды Венеции, после поездки в Рим. Там Каналь был вдохновлен работами местного художника Джованни Паоло Панини, который изображал на картинах достопримечательности Рима. Ранние работы Каналетто написаны с натуры, без предварительных эскизов и набросков. Позднее мастер использует камеру-обскуру, для более точного и детального изображения города на картинах. Чаще всего автор пейзажей изображал каналы и площади Венеции. В его работах соединились поэтичность и естественность городской среды. Картины Каналетто пользовались популярностью у европейских аристократов, приезжавших в Венецию в образовательных целях. Знаменитое полотно мастера «Праздник обручения венецианского дожа с Адриатическим морем» находится в Государственном музее изобразительных искусств имени А.С. Пушкина. Мастера ведуты творили по всему миру. Например, в России работал в жанре городского пейзажа Фёдор Яковлевич Алексеев. Его карьера началась в Венеции, куда он попал, получив медаль художественного училища, которая позволила продолжить обучение живописи за рубежом. Вернувшись в Россию, сначала копирует работы итальянцев, а после начинает свою серию пейзажей. В 1794 году получает почетное звание академика и признание, за пейзажи Санкт-Петербурга. Коллеги часто называли Алексеева «русским Каналетто».

Материалы "Справочника искусствоведа" под хэштегами:
#справочник_искусствоведа или #артимекс_изучает

🍀Делитесь знаниями с друзьями!
🎨Instagram: instagram.com/artimex.ru
📱ВКонтакте: vk.com/artimex_ru
🖥Загляните на наш сайт, чтобы подобрать для себя лекцию: www.artimex.ru

#справочник_искусствоведа "Баухаус" — высшая школы строительства и художественного конструирования Германии. С немецкого слово Bauhaus переводится, как "дом строительства". Сегодня мы поговорим о баухаусе, как о художественном архитектурном объединение, которое возникло на базе школы. История баухауса начинается в 1919 году. Идейный вдохновитель течения — молодой архитектор из Берлина Вальтер Гропиус. Он же стал первым директором школы строительства в Ваймаре. Гропиус описал основную идею объединения в книге "Границы архитектуры": "Мы хотим вместе придумывать и создавать новое здание будущего, где все сольется в едином образе: архитектура, скульптура, живопись, — здание, которое, подобно храмам, возносившимся в небо руками ремесленников, станет кристальным символом новой, грядущей веры." Что толкнуло архитекторов к поиску новых решений? Эпоха активной индустриализации. Баухаусовцы считали, что форма должна соответствовать процессу изготовления. Архитекторы и художники отказываются от всевозможного декорирования зданий, в ожидании, что городское пространство очистится благодаря этому. Преподаватели школы и приверженцы движения мечтали создать дизайн, способный удовлетворить массового потребителя. Они стремились соединить в промышленных товарах эстетику, доступность и функциональность.
Таким образом, перед нами возникает следующее здание: - Минимальное количество орнамента, - Появляется нарушение симметрии или ее повторение, - Максимально эффективное использование пространства здания, - Геометрические конструкции, - Нейтральные цвета.
В Баухаусе преподавали: Василий Кандинский - живопись и фреска, Пауль Клее - витраж, Ласло Мохой-Надь - обработка металла, Эль Лисицкий - супрематические композиции, Тео ван Дусбург — «Де стиль». Высшая школа строительства Баухаус была закрыта в 1933 году. Национал-социалисты видели в ней корни коммунизма. Но сторонники продолжили развитие идей объединения.
Найти материалы нашего "Справочника искусствоведа" можно с помощью хэштегов:
#справочник_искусствоведа или #артимекс_изучает

#справочник_искусствоведа
Сегодня рассмотрим итальянский художественный стиль, который возник в конце XVI века — Барокко.
Барокко с итальянского переводится, как "причудливый". Стиль приходит на смену искусству великой эпохи Ренессанса. Теперь художники ставят в центр творчества столкновения человека с миром, разума с чувствами.
Отличительные черты эпохи барокко — динамичность, пышность, экспрессия, высокая контрастность. Барочный человек отрицает естественные процессы, противопоставляя им некую вычурность. Мышление человека явно отличается от средневекового. Новый тип не видит прежней гармонии. Мир воспринимается в противопоставлении.
Говоря о живописи барокко, нельзя не назвать крупнейших мастеров - Караваджо и Рубенса.
Итальянец Микела́нджело Меризи да Карава́джо изображает чувственных, буквально залитых светом персонажей. Кстати, именно он начинает использовать резкое противопоставление света и тени.
Фламандский живописец Питер Пауль Рубенс также воплощает в своих работах черты барокко. Краски, разнообразные жесты, эксперименты с композицией — Рубенс отказывается от традиционных линий.
В архитектуре барокко появляется большое количество скульптур на фасадах, например, мифические атланты, набирают популярность коллонады и пилястры. Известные архитекторы — Карло Мадерна, Лоренцо Бернини, граф Растрелли.
Музыка эпохи также усложняется. Игра на инструментах активно развивается, появляются оперы. Одно из известнейших музыкальных произведений барокко — «Времена года» Антонио Вивальди.
Конечно, нужно отметить, что искусство эпохи барокко тяготеет к синтезу. Произведения искусства стремятся соединиться с другими. Мастер мыслит не только, как художник или скульптор, а как декоратор.
#лекторий #искусство #лекциипоискусству #мастерклассыпоискусству #лекциивмоскве #артимекc #лекторийартимекс #лекциипоискусствувмоскве #Москва #афишамосква #афиша #лекция #москва24 #живопись #барокко #рубенс #вивальди #караваджо #бернини #стилиискусства

Наша новая еженедельная рубрика "Справочник искусствоведа"

Абстракционизм - направление, основу которого составляет стремление отказаться от реалистичного изображения объектов и форм. Абстракционисты пытаются создать гармонию с помощью цветовых решений и геометрических фигур. Абстракционизм можно делить на два вида: геометрическая абстракция и лирическая абстракция. Первое направление тяготело к точным геометрическим формам, второе предпочитало свободные движения. Абстракционизм рождается в начале 20 века. В 1910 году Василий Кандинский пишет "Первую абстрактную акварель". Художник выбирает для себя путь дальнейшего творчества — беспредметность. Содержание и смыслы картины выражаются в форме и цвете. На следующий год Кандинский презентует в Германии свою знаменитую книгу «О духовном в искусстве», в которой излагает основные принципы своей работы. Воплощение внутренних состояний, по его мнению, куда важнее внешних. Яркие представители абстракционизма: Пит Мондриан, Василий Кандинский, Казимир Малевич, Наталья Гончарова, Михаил Ларионов и другие. Каждый из них внес свой весомый вклад в развитие искусства. Так, например, Михаил Ларионов создал одно из ответвлений раннего абстракционизма - "Лучизм", о котором мы обязательно поговорим позже. А Казимир Малевич основал "Супрематизм", который также является разновидностью абстракционизма. Абстракционизм продолжает развиваться. Тенденция наших дней — развитие сюжета в беспредметной живописи (конкретные ассоциации) и изучение пространства белого цвета.
Найти материалы нашего "Справочника искусствоведа" можно с помощью хэштегов:
#справочник_искусствоведа или #артимекс_изучает
Если Вы также неравнодушны к миру искусства, как и мы, присоединяйтесь! 📱Facebook: www.facebook.com/artimex.ru 🖥Загляните на наш сайт, чтобы подобрать для себя лекцию: http://www.artimex.ru/ 🍀Делитесь знаниями с друзьями!
#лекторий #искусство #лекциипоискусству #мастерклассыпоискусству #лекциивмоскве #артимекc #лекторийартимекс #лекциипоискусствувмоскве #Москва #афишамосква #афиша #лекция #москва24 #живопись #современноеискусство #словарь #абстракционизм #кандинский #мондриан #малевич

Most Popular Instagram Hashtags