[PR] Gain and Get More Likes and Followers on Instagram.

#справочник_искусствоведа

18 posts

TOP POSTS

#справочник_искусствоведа

В начале XX столетия мегаполисы Америки стремительно увеличивались. Население Нью-Йорка перевалило за 3,5 миллиона. Дабы увеличить читаемость газет, издания пытались сделать материалы яркими и реалистичными. Так как фотоаппараты еще не использовались для оперативной съемки, в редакциях работали иллюстраторы. Нацеленность на массовость имела обратную сторону - в момент экономических и демографических перемен зародился современный американский реализм. Художники, рисовавшие "фотографии городской хроники", хотели не только делать зарисовки с мест происшествия, но и создавать искусство реальной жизни. В конечном счете они объединились и создали «Школу мусорных вёдер». Двигателем "мусорной школы" стал художник Роберт Генри, который считал, что искусство ради искусства - это неправильно. Искусство, по мнению Генри, создано ради жизни. Эта идея нашла положительный отклик у его коллег и постепенно трансформировалась в форму "живопись равна журналистике". Художники бродили по бедным улочкам, чтобы показать миру реальность, которая прячется за суетой благополучной городской жизни. Частые герои "мусорщиков" - уличные бродяги, проститутки, алкоголики и эмигранты. Широкое распространение получил городской пейзаж со своеобразной поэтикой, граничащей на стыке эпох.

Первая крупная выставка школы состоялась в 1908 году в галерее Уильяма Макбета на Пятой авеню. Организатором, опять же, стал Генри, который неоднократно искал поддержки в лице Национальной академии дизайна, где работал, но получал только отказы. Самостоятельно созданная выставка прогремела на всю Америку - зрители увидели живую и актуальную Америку. В проекте приняли участие восемь художников: Артур Боуэн Дэвис, Уильям Глакенс, Эрнест Лоусон, Морис Брэзил Прендергаст, Джон Слоун, Эверетт Шинн, Джордж Лакс и сам Роберт Генри. «Школа мусорных вёдер» просуществовала около 15 лет. На смену реалистам пришли модернисты и вытеснили значимость окружающего мира. Теперь на первом плане стояли внутренние ощущения и убеждения художника. Однако движение "мусорных вёдер" в полной мере отразило дух Америки начала 20 века.

#справочник_искусствоведа
Это течение часто сравнивают с поп-артом. Да, эти движения работают с образами массовой культуры, но контексты абсолютно различны. Поп-арт, в первую очередь, работал с излишками рекламы и дизайна.
Соц-арт - полностью советское явление. Авангардное направление зародилось как реакция на идеологическую пропаганду, которая заполняла страну. Художники 1970-х годов избрали довольно ироничный метод борьбы с ней. Они противопоставляли политическим лозунгам их гротескные и карикатурные изображения.
Основателями стиля стали Виталий Комар и Александр Меламид. Художники, дабы заработать, расписывали пионерский лагерь к новому сезону. Конечно, с использованием типичных лозунгов, образов Ленина, героев войны, рабочих. В одном из интервью Комар рассказал:
«...Пили и думали, какие же мы подлецы, что ввязались в эту гадость ради денег. И в какой-то момент завели такой пьяный разговор: „А вдруг существует какой-то человек… который делает такое искренне? И это для него такой крик души. И что он рисует? Наверное, своих родных в стиле советских героев". И вдруг я понял, что мы сделали открытие, это был совершенно другой ход и новое течение».
С тех пор чего только не было: провокационные акции, инсталляции, перформансы, плакаты, которые близки к официальному искусству СССР, но дополнены ироничными смыслами. Соц-арт отвергал веру во власть и стремился разрушить созданные ею культы. Да и вообще все культы, будь то религия или эстетические ценности, осмеивались художниками "антиискусства". Даже само искусство будто рушилось, столкнувшись с художниками соц-арта.
Яркие представители течения - В. Комар, А. Меламид, группа «Гнездо» (В. Скерсис, М. Рошаль, Г. Донской), А. Косолапов, Р. Лебедев, Л. Соков, Б.Орлов и другие.
Делитесь знаниями с друзьями!💡

#справочник_искусствоведа

Сюрреализм, зародившийся в 20-е годы прошлого столетия, популярен среди художников и по сей день. Сегодня мы хотим рассказать о сюрреализме в фотоискусстве, а именно о том, как фотографы создают красивые снимки со скрытыми смыслами.

Филипп Халсман (1906 - 1979 гг.) первым среди фотографов стал использовать аллюзии и парадоксальные сочетания форм.
В начале 40-ых годов Халсман познакомился с эпатажным Сальвадором Дали. Дружба двух творческих натур подарила миру искусства много стоящих работ.

Вы наверняка видели знаменитую, ставшую классикой жанра, фотографию Филиппа под названием "Dali Atomicus". Ту самую, где великий мистификатор парит в воздухе с кошками и стульями. Халсман, Дали и ассистенты бросали кошек, проливали воду, держали предметы на весу около шести часов, чтобы получить удачный кадр. Никакой компьютерной графики, конечно же, в то время не было.

Позднее фотограф создал большую серию с прыгающими людьми, которая включает в себя 200 портретов. Сам Филипп объяснял концепцию так: «Когда человек прыгает, его внимание в основном направленно на сам акт прыгания, маска спадает и появится истинное лицо». Также руке мастера принадлежат многочисленные причудливые фото усов Сальвадора.

Еще одно громкое имя, которое важно упомянуть в разговоре о фотографах-сюрреалистах - Родни Смит (1947 - 2016 гг.)
Он никогда не использовал спецэффектов и до конца жизни снимал исключительно на пленку. Некоторые работы фотографа напоминаю картины известного сюрреалиста Рене Магритта. Их также хочется наполнять смыслами и разгадывать. Мастеру композиции, как его часто называют, удалось превратить юношеское увлечение фотографией в успешную карьеру.
«Фотография — очень сложная вещь в том смысле, что вы переносите и измеряете этот трёхмерный мир. Возможно, существует даже больше, чем три измерения, но в любом случае этот трёхмерный мир, полный разного рода ощущений — звуков, запахов, вкусов и воспоминаний — нужно перенести на двухмерный лист бумаги», - писал Родни.

#справочник_искусствоведа

На прошлой неделе сразу в двух городах - немецком Бонне и швейцарском Берне - открылась выставка «Дегенеративное искусство – конфисковано и продано». Публика впервые увидела шедевры, которые больше полувека хранились в частной коллекции семьи Гурлитт.
Собрание включает в себя полторы тысячи художественных работ, которые были конфискованы как "антинародные" из немецких музеев во времена "третьего Рейха". В список "вырожденческих авторов" попали картины Марка Шагала, Пауля Клее, Василия Кандинского, Пабло Пикассо, Огюста Ренуара, Отто Дикса, Франца Марка, Отто Мюллера и других знаковых художников эпохи. Сегодня мы хотим рассказать, откуда произошел термин "дегенеративное искусство".
В июне 1937 года в Мюнхене открылась выставка с одноименным названием, которую готовили по указанию самого Адольфа Гитлера и его идеологов. Лидер нацисткой партии считал, что представители фовизма, экспрессионизма, дадаизма, импрессионизма способствуют культурному разложению Германии и не имеют ничего общего с немецким народом. Все они, по мнению Гитлера, лишены художественной одарённости, их необходимо подвергнуть стерилизации.

Для поиска и конфискации "антинемецкого" искусства была создана специальная комиссия, которая определяла "вредность" картин. Изъятые из музеев работы выставили на всеобщее обозрение, чтобы подтвердить опасность "дегенеративного искусства". Запретная экспозиция пользовалась колоссальным спросом - за 4 года выставка объехала 12 городов и собрала более двух миллионов посетителей. Естественно, восхищаться картинами было запрещено.

После завершения нашумевшей выставки было решено избавиться от картин. Йозеф Геббельс, главный пропагандист Третьего рейха, полагал, что сбыт "художественной ереси" заграницу не только освободит Германию от "вырожденцев", но и принесет доход. Большую часть работ распродали на аукционах в нейтральной Швейцарии. Невостребованные полотна оставляли пылиться на складах или вовсе сжигали.
🍀Делитесь знаниями с друзьями!
📱Telegram: t.me/lectures_art
🖥Загляните на наш сайт, чтобы подобрать для себя лекцию: www.artimex.ru

#справочник_искусствоведа "Впервые не из Франции, а из России прилетело новое слово искусства — конструктивизм...", - Владимир Маяковский.

Конструктивизм, как направление искусства, родился в России после Октябрьской революции. Смена эпох требовала изменений как внутри человека, так и в окружающей его среде. Архитектура всегда воспринималась, как эффективный инструмент воздействия на общество. Политики 20-х годов прошлого столетия сделали архитекторов новой волны своими союзниками, чтобы наполнить города идеологическими смыслами. Эстетическое наполнение отошло на второй план. Вокруг советского гражданина активно выстраивалась философия "полезных вещей". Теперь дома, мебель, одежда, декорации проектировались с отсылкой к функциональности. Пролетарская революция диктовала правило: "Искусство служит производству". Основные черты архитектуры конструктивизма: синтез формы и функции, композиционная свобода, универсальность, экономия. Широкое распространение получили фабрики-кухни, дома-коммуны, клубы и дома культуры. Конструктивисты мечтали изменить роль архитектуры в жизни. Они видели выразительность не в декорировании, а в движениях и функционале. Отказ от классического стиля привел к вольному использованию композиции строения. Приверженцы направления искали гармонию в линиях и пространстве.

Первым конструктивистом считают художника Владимира Татлина. Его проект "Памятник III Интернационалу" стал ярким символом конструктивизма. Нельзя обойти стороной архитекторов Весниных. Братья Леонид, Виктор и Александр задали направление новой архитектуре индустриального периода. Архитекторы-конструктивисты получили признание на конкурсе, посвященном преобразованию городской среды. Проект Дворца Труда в Москве, созданный Весниными, полностью соответствовал канонам времени. Еще один видный деятель конструктивизма - Моисей Гинзбург. Он сформулировал идею развития современной архитектуры. По его мнению, все искусство подчиняется механизации жизни, а быт, психология и эстетика - жизнь.
Стоит отметить, что именно Веснины и Гинзбург создают
объединение современных архитекторов (ОСА).

#справочник_искусствоведа

Начало 1916 года ознаменовано переворотом художественного мира ХХ века. В петроградском бюро галерейщицы Надежды Добычиной состоялась провокационная «Последняя футуристическая выставка картин 0,10». В проекте участвовали Казимир Малевич, Владимир Татлин, Ксения Богуславская, Василий Каменский, Вера Пестель и другие художники. Футуристы намерено дали мероприятию абсурдно-правдивое название: завершался очередной этап искусства. Так как настоящее, окружавшее творческую интеллигенцию, было серым и беспристрастным, будущее пришлось придумывать самостоятельно.

Новая концепция искусства, по мнению участников экспозиции, заключалась в полной абстрагированности от смыслов. Иными словами, художники пришли к беспредметности. На этом мероприятии свет впервые увидел знаменитое полотно Малевича - «Черный квадрат». С этого момента началась жизнь супрематизма.

Супрематизм (лат. «supremus) в перевод с латинского означает «превосходный». Стиль живописи подразумевает изображение геометрических линий и фигур в разных комбинациях. По мнению родоначальника стиля Казимира Малевича, супрематизм - не что иное, как стремление искусства к абсолютному нулю. Художественный мир утратил выразительность, образы, формы, пришло время беспредметных чувств и эмоций. При этом супрематизм стал первым шагом к «чистоте творчества», где сила человека и природы равны. В своих трудах художник-теоретик утверждал, что основа супрематического направления - квадрат, так как он представляет собой синтез законов бытия. Помимо квадрата супрематисты использовали треугольники, круги, эллипсоиды и различные многоугольники.

Супрематизм стал основой для художественной школы «Утвердителей нового искусства» (УНОВИС), во главе которой стоял Малевич. Серьезная педагогическая программа Казимира Севериновича воспитала целую плеяду талантливых художников, таких как Эль Лисицкий, Николай Суетин и Илья Чашник. Постепенно идеи супрематизма отразились в архитектуре, скульптуре, фотографии, промышленном дизайне. "Превосходящий все остальное стиль" оказал влияние на многих деятелей искусства: А. Родченко, И. Пуни, Н. Удальцову, И. Клюна, Л. Попову и других.

#справочник_искусствоведа

В последней трети XIX века русская живопись претерпевает большие изменения. Кризис академического искусства и стремительный рост культуры приводят к образованию Товарищества передвижных художественных выставок. Привычное название объединения - передвижники. Товарищество создается по инициативе четырех известных деятелей культуры: Ивана Крамского, Григория Мясоедова, Николая Ге и Василия Перова.

Идейным вдохновением создания ТПХВ послужило другое художественное объединение - «Санкт-Петербургская артель художников», которое было учреждено в 1863 году бунтующими выпускниками Академии художеств. Они демонстративно покинули обучение, после запрета писать конкурсную работу на свободную тему вместо официальной. Со временем деятельность "бунта четырнадцати" утихла и возобновилась только после предложения московских коллег объединиться. Таким образом родилось товарищество передвижников.
Главная цель новой группы единомышленников сформулирована в их уставе, принятом в 1870 году, и гласит, что товарищество должно организовать во всех городах империи передвижные художественные выставки. Для чего? По мнению основателей прогрессивного демократического общества художников: - Жители провинций должны иметь возможность знакомиться с искусством;
- Передвижные выставки повышают уровень развития интереса людей к искусству;
- Процесс облегчает сбыт художественных произведений.

Творческий метод художников-передвижников отличался критическим реализмом. Живописцы обратились к темам истории народа, делая акцент на его силе, мудрости и величии. Приверженцы направления решительно осуждали самодержавные порядки власти и пытались показать на картинах реальную проблемную жизнь общества. Мастера кисти создали отдельные устойчивые образы, которые олицетворяли целые сословия. Большое распространение получили жанры исторической и бытовой живописи, портреты и пейзажи родных просторов.

Новаторские взгляды передвижников и обращение к искусству народа послужили эффективным способом как нравственного, так и эстетического воспитания общества.

#справочник_искусствоведа

В шестидесятых годах прошлого столетия в Америке зародился уникальный художественный стиль - минимализм. Также его называют минимал-арт, прохладное искусство, первичные структуры, систематичная живопись. С английского понятие "minimal art" переводится "минимальное искусство". Уже из названия вырисовывается определение минимализма и его цель.
Минимализм - это художественный стиль, который требует упрощения форм, монохромности и минимальных затрат в процессе творчества. Главную цель направления можно охарактеризовать формулой "минимум средств = максимум содержания".
Основные характеристики минимал-арта: отказ художника от субъективности и реалистичности, преобладание геометрических форм, отсутствие декоративности, однотонная цветовая гамма, использование материалов природы и промышленности. Минимализм свободен от двусмысленностей, а работы художников лишены трактовок и эмоций.
Возникновение минимального искусства не случайно, а вполне ожидаемо. Появившись в нестабильных условиях послевоенного времени, минимализм способствовал формированию иных эстетических ценностей и нового образа человека. Многие исследователи утверждают, что стиль берет свое начало от конструктивизма, супрематизма и поп-арта. Действительно, корни философии минимализма можно найти в работах Малевича и Дюшана. Термин "минимализм" впервые использовал историк Ричард Уолхейм. При изучении дадаизма и поп-арта, он отметил стремление художников минимально вмешивается в окружающую среду.
Первой минималистичной работой считают серию Фрэнка Стеллы «Черные картины». На полотнах гармонично сочетаются черные и белые полосы, соединенные в различные геометрические фигуры. Также в стиле минимализма работали Тони Смит, Дональд Джадд, Роберт Моррис и Кал Андре.
Минимализм - широкое искусствоведческое понятие, которое распространено не только в изобразительном искусстве. Минимал-арт охватывает архитектуру, музыку, литературу, скульптуру и дизайн. Эстетика "минимума" популярна по сей день. Стиль перешел на новый уровень - постминимализма.

#справочник_искусствоведа

Швейцарский город Цюрих становится центром культурной революции в 1916 году. Художники, поэты, скульпторы, публицисты, объединенные ужасом Первой мировой войны, бегут в нейтральный городок и создают новое направление искусства - Дадаизм.
Термин "дадаизм" берет свои истоки от первых бессвязных звуков "да-да", которые произносят дети. Такая идея родилась у одного из идеологов движения - поэта Тристана Тцара. Существуют другие расшифровки "дада", например, "деревянная игрушечная лошадка" с французского или африканское слово обозначающее "хвост коровы". Любая интерпретация наименования соответствует принципам дадаистов. Давайте разберемся, что повлияло на возникновение группы и чем руководствовались последователи в своем творчестве.

Первые слова, что приходит на ум при изучении дадаизма - разочарованность, бессмысленность, протест. Дадаисты считали войну бессмысленной. По их мнению, человечество губит себя, создавая и совершенствуя оружие, а значит прогресс абсолютно бессмыслен. Молодые интеллектуалы критиковали существовавшую политику, которая привела к жестокости. Произведения искусства приверженцев "дада" были такими же, как и действительность - нелогичными, случайными, без особого смысла.
Творцы активно работали в жанре ready-made, представляя обыденные предметы, объектами искусства. Так, например, ни один учебник по искусству не проходит мимо знаменитого "Фонтана" Марселя Дюшана. "Фонтан", на самом же деле, обыкновенный писсуар с подписью и датой создания. Такой ироничный протест вызвал бурю эмоций. Дюшан данной работой показал, что лишь художник может решать, что является предметом искусства и какова его цена.
Не менее популярными среди дадаистов были жанры - коллаж, ассамбляж, фотомонтаж. Поэты часто использовали бессвязные звуки. Например, Тристан Тцара в стихотворениях резко обрывал привычную речь. Продолжение в комментариях⬇️

MOST RECENT

#справочник_искусствоведа
Это течение часто сравнивают с поп-артом. Да, эти движения работают с образами массовой культуры, но контексты абсолютно различны. Поп-арт, в первую очередь, работал с излишками рекламы и дизайна.
Соц-арт - полностью советское явление. Авангардное направление зародилось как реакция на идеологическую пропаганду, которая заполняла страну. Художники 1970-х годов избрали довольно ироничный метод борьбы с ней. Они противопоставляли политическим лозунгам их гротескные и карикатурные изображения.
Основателями стиля стали Виталий Комар и Александр Меламид. Художники, дабы заработать, расписывали пионерский лагерь к новому сезону. Конечно, с использованием типичных лозунгов, образов Ленина, героев войны, рабочих. В одном из интервью Комар рассказал:
«...Пили и думали, какие же мы подлецы, что ввязались в эту гадость ради денег. И в какой-то момент завели такой пьяный разговор: „А вдруг существует какой-то человек… который делает такое искренне? И это для него такой крик души. И что он рисует? Наверное, своих родных в стиле советских героев". И вдруг я понял, что мы сделали открытие, это был совершенно другой ход и новое течение».
С тех пор чего только не было: провокационные акции, инсталляции, перформансы, плакаты, которые близки к официальному искусству СССР, но дополнены ироничными смыслами. Соц-арт отвергал веру во власть и стремился разрушить созданные ею культы. Да и вообще все культы, будь то религия или эстетические ценности, осмеивались художниками "антиискусства". Даже само искусство будто рушилось, столкнувшись с художниками соц-арта.
Яркие представители течения - В. Комар, А. Меламид, группа «Гнездо» (В. Скерсис, М. Рошаль, Г. Донской), А. Косолапов, Р. Лебедев, Л. Соков, Б.Орлов и другие.
Делитесь знаниями с друзьями!💡

#справочник_искусствоведа

На прошлой неделе сразу в двух городах - немецком Бонне и швейцарском Берне - открылась выставка «Дегенеративное искусство – конфисковано и продано». Публика впервые увидела шедевры, которые больше полувека хранились в частной коллекции семьи Гурлитт.
Собрание включает в себя полторы тысячи художественных работ, которые были конфискованы как "антинародные" из немецких музеев во времена "третьего Рейха". В список "вырожденческих авторов" попали картины Марка Шагала, Пауля Клее, Василия Кандинского, Пабло Пикассо, Огюста Ренуара, Отто Дикса, Франца Марка, Отто Мюллера и других знаковых художников эпохи. Сегодня мы хотим рассказать, откуда произошел термин "дегенеративное искусство".
В июне 1937 года в Мюнхене открылась выставка с одноименным названием, которую готовили по указанию самого Адольфа Гитлера и его идеологов. Лидер нацисткой партии считал, что представители фовизма, экспрессионизма, дадаизма, импрессионизма способствуют культурному разложению Германии и не имеют ничего общего с немецким народом. Все они, по мнению Гитлера, лишены художественной одарённости, их необходимо подвергнуть стерилизации.

Для поиска и конфискации "антинемецкого" искусства была создана специальная комиссия, которая определяла "вредность" картин. Изъятые из музеев работы выставили на всеобщее обозрение, чтобы подтвердить опасность "дегенеративного искусства". Запретная экспозиция пользовалась колоссальным спросом - за 4 года выставка объехала 12 городов и собрала более двух миллионов посетителей. Естественно, восхищаться картинами было запрещено.

После завершения нашумевшей выставки было решено избавиться от картин. Йозеф Геббельс, главный пропагандист Третьего рейха, полагал, что сбыт "художественной ереси" заграницу не только освободит Германию от "вырожденцев", но и принесет доход. Большую часть работ распродали на аукционах в нейтральной Швейцарии. Невостребованные полотна оставляли пылиться на складах или вовсе сжигали.
🍀Делитесь знаниями с друзьями!
📱Telegram: t.me/lectures_art
🖥Загляните на наш сайт, чтобы подобрать для себя лекцию: www.artimex.ru

#справочник_искусствоведа

Сюрреализм, зародившийся в 20-е годы прошлого столетия, популярен среди художников и по сей день. Сегодня мы хотим рассказать о сюрреализме в фотоискусстве, а именно о том, как фотографы создают красивые снимки со скрытыми смыслами.

Филипп Халсман (1906 - 1979 гг.) первым среди фотографов стал использовать аллюзии и парадоксальные сочетания форм.
В начале 40-ых годов Халсман познакомился с эпатажным Сальвадором Дали. Дружба двух творческих натур подарила миру искусства много стоящих работ.

Вы наверняка видели знаменитую, ставшую классикой жанра, фотографию Филиппа под названием "Dali Atomicus". Ту самую, где великий мистификатор парит в воздухе с кошками и стульями. Халсман, Дали и ассистенты бросали кошек, проливали воду, держали предметы на весу около шести часов, чтобы получить удачный кадр. Никакой компьютерной графики, конечно же, в то время не было.

Позднее фотограф создал большую серию с прыгающими людьми, которая включает в себя 200 портретов. Сам Филипп объяснял концепцию так: «Когда человек прыгает, его внимание в основном направленно на сам акт прыгания, маска спадает и появится истинное лицо». Также руке мастера принадлежат многочисленные причудливые фото усов Сальвадора.

Еще одно громкое имя, которое важно упомянуть в разговоре о фотографах-сюрреалистах - Родни Смит (1947 - 2016 гг.)
Он никогда не использовал спецэффектов и до конца жизни снимал исключительно на пленку. Некоторые работы фотографа напоминаю картины известного сюрреалиста Рене Магритта. Их также хочется наполнять смыслами и разгадывать. Мастеру композиции, как его часто называют, удалось превратить юношеское увлечение фотографией в успешную карьеру.
«Фотография — очень сложная вещь в том смысле, что вы переносите и измеряете этот трёхмерный мир. Возможно, существует даже больше, чем три измерения, но в любом случае этот трёхмерный мир, полный разного рода ощущений — звуков, запахов, вкусов и воспоминаний — нужно перенести на двухмерный лист бумаги», - писал Родни.

#справочник_искусствоведа

В начале XX столетия мегаполисы Америки стремительно увеличивались. Население Нью-Йорка перевалило за 3,5 миллиона. Дабы увеличить читаемость газет, издания пытались сделать материалы яркими и реалистичными. Так как фотоаппараты еще не использовались для оперативной съемки, в редакциях работали иллюстраторы. Нацеленность на массовость имела обратную сторону - в момент экономических и демографических перемен зародился современный американский реализм. Художники, рисовавшие "фотографии городской хроники", хотели не только делать зарисовки с мест происшествия, но и создавать искусство реальной жизни. В конечном счете они объединились и создали «Школу мусорных вёдер». Двигателем "мусорной школы" стал художник Роберт Генри, который считал, что искусство ради искусства - это неправильно. Искусство, по мнению Генри, создано ради жизни. Эта идея нашла положительный отклик у его коллег и постепенно трансформировалась в форму "живопись равна журналистике". Художники бродили по бедным улочкам, чтобы показать миру реальность, которая прячется за суетой благополучной городской жизни. Частые герои "мусорщиков" - уличные бродяги, проститутки, алкоголики и эмигранты. Широкое распространение получил городской пейзаж со своеобразной поэтикой, граничащей на стыке эпох.

Первая крупная выставка школы состоялась в 1908 году в галерее Уильяма Макбета на Пятой авеню. Организатором, опять же, стал Генри, который неоднократно искал поддержки в лице Национальной академии дизайна, где работал, но получал только отказы. Самостоятельно созданная выставка прогремела на всю Америку - зрители увидели живую и актуальную Америку. В проекте приняли участие восемь художников: Артур Боуэн Дэвис, Уильям Глакенс, Эрнест Лоусон, Морис Брэзил Прендергаст, Джон Слоун, Эверетт Шинн, Джордж Лакс и сам Роберт Генри. «Школа мусорных вёдер» просуществовала около 15 лет. На смену реалистам пришли модернисты и вытеснили значимость окружающего мира. Теперь на первом плане стояли внутренние ощущения и убеждения художника. Однако движение "мусорных вёдер" в полной мере отразило дух Америки начала 20 века.

#справочник_искусствоведа

Начало 1916 года ознаменовано переворотом художественного мира ХХ века. В петроградском бюро галерейщицы Надежды Добычиной состоялась провокационная «Последняя футуристическая выставка картин 0,10». В проекте участвовали Казимир Малевич, Владимир Татлин, Ксения Богуславская, Василий Каменский, Вера Пестель и другие художники. Футуристы намерено дали мероприятию абсурдно-правдивое название: завершался очередной этап искусства. Так как настоящее, окружавшее творческую интеллигенцию, было серым и беспристрастным, будущее пришлось придумывать самостоятельно.

Новая концепция искусства, по мнению участников экспозиции, заключалась в полной абстрагированности от смыслов. Иными словами, художники пришли к беспредметности. На этом мероприятии свет впервые увидел знаменитое полотно Малевича - «Черный квадрат». С этого момента началась жизнь супрематизма.

Супрематизм (лат. «supremus) в перевод с латинского означает «превосходный». Стиль живописи подразумевает изображение геометрических линий и фигур в разных комбинациях. По мнению родоначальника стиля Казимира Малевича, супрематизм - не что иное, как стремление искусства к абсолютному нулю. Художественный мир утратил выразительность, образы, формы, пришло время беспредметных чувств и эмоций. При этом супрематизм стал первым шагом к «чистоте творчества», где сила человека и природы равны. В своих трудах художник-теоретик утверждал, что основа супрематического направления - квадрат, так как он представляет собой синтез законов бытия. Помимо квадрата супрематисты использовали треугольники, круги, эллипсоиды и различные многоугольники.

Супрематизм стал основой для художественной школы «Утвердителей нового искусства» (УНОВИС), во главе которой стоял Малевич. Серьезная педагогическая программа Казимира Севериновича воспитала целую плеяду талантливых художников, таких как Эль Лисицкий, Николай Суетин и Илья Чашник. Постепенно идеи супрематизма отразились в архитектуре, скульптуре, фотографии, промышленном дизайне. "Превосходящий все остальное стиль" оказал влияние на многих деятелей искусства: А. Родченко, И. Пуни, Н. Удальцову, И. Клюна, Л. Попову и других.

#справочник_искусствоведа

Пожалуй, все любители искусства знают историю арт-объекта «Колесо от велосипеда» французского художника Марселя Дюшана. В поисках радикальных художественных практик, находчивый Дюшан перевернул привычное понимание искусства. В 1913 году художник взял два готовых предмета, купленных в магазине, и соединил в одну скульптуру. Простая идея Марселя - поменять контекст существующего объекта, переместив его из привычной среды в рамки искусства - стала началом нового жанра.
Термин "Реди-мейд" буквально переводится как "готовый". Суть художественного стиля заключается в следующем: предмет, вырванный из привычной обстановки художником, обретает роль ценного произведения. Сам процесс перемещения - есть искусство. Еще сто лет назад метод казался хитрой уловкой творческих людей, сейчас же - это ключевой принцип эстетики. Художникам совсем не обязательно создавать новые формы, достаточно придумать, каким образом использовать готовые предметы для реализации своих идей. Авторство при этом закреплено за художником реди-мейда, открывшим вещь с неожиданной стороны.
Конечно, кроме первооткрывателя Дюшана есть другие мастера, работающие в жанре реди-мейд. Стоит упомянуть, представителей поп-арта, которые заимствовали рекламные иллюстрации и журнальные фото. Так Роберт Раушенберг создавал «комбинированные картины», сочетая вещественные вставки с живописью. Скульптуры Джаспера Джонса представляют собой обычные предметы, но из бронзы, например, фонарик, лампочку или зубную щетку. Аналог реди-мейда использует популярный американский художник Ричард Принс. Его история начиналась с того, что он поменял содержание карикатур из журналов и присваивал их себе. С возрастающей популярностью инстаграма Принс появился вновь: он скачивал фотографии из социальных сетей и выдавал за свои работы.

Материалы "Справочника искусствоведа" под хэштегами:
#справочник_искусствоведа или #артимекс_изучает

#искусство #лекциипоискусству #мастерклассыпоискусству #лекциивмоскве #артимекc #лекторийартимекс #лекциипоискусствувмоскве #Москва #афишамосква #афиша #лекция #москва24 #живопись #искусство #редимейд #современноеискусство

#справочник_искусствоведа

В последней трети XIX века русская живопись претерпевает большие изменения. Кризис академического искусства и стремительный рост культуры приводят к образованию Товарищества передвижных художественных выставок. Привычное название объединения - передвижники. Товарищество создается по инициативе четырех известных деятелей культуры: Ивана Крамского, Григория Мясоедова, Николая Ге и Василия Перова.

Идейным вдохновением создания ТПХВ послужило другое художественное объединение - «Санкт-Петербургская артель художников», которое было учреждено в 1863 году бунтующими выпускниками Академии художеств. Они демонстративно покинули обучение, после запрета писать конкурсную работу на свободную тему вместо официальной. Со временем деятельность "бунта четырнадцати" утихла и возобновилась только после предложения московских коллег объединиться. Таким образом родилось товарищество передвижников.
Главная цель новой группы единомышленников сформулирована в их уставе, принятом в 1870 году, и гласит, что товарищество должно организовать во всех городах империи передвижные художественные выставки. Для чего? По мнению основателей прогрессивного демократического общества художников: - Жители провинций должны иметь возможность знакомиться с искусством;
- Передвижные выставки повышают уровень развития интереса людей к искусству;
- Процесс облегчает сбыт художественных произведений.

Творческий метод художников-передвижников отличался критическим реализмом. Живописцы обратились к темам истории народа, делая акцент на его силе, мудрости и величии. Приверженцы направления решительно осуждали самодержавные порядки власти и пытались показать на картинах реальную проблемную жизнь общества. Мастера кисти создали отдельные устойчивые образы, которые олицетворяли целые сословия. Большое распространение получили жанры исторической и бытовой живописи, портреты и пейзажи родных просторов.

Новаторские взгляды передвижников и обращение к искусству народа послужили эффективным способом как нравственного, так и эстетического воспитания общества.

#справочник_искусствоведа

Французское словосочетание "nature morte" дословно переводится как "мертвая природа". Натюрморт - художественный жанр в изобразительном искусстве, который описывает вещи, окружающие человека. Составляющие натюрморта, как правило, находятся в композиции, придуманной художником, или в реальной бытовой обстановке. Предметы изображаются в неподвижном состоянии, все пространства и времени. Чаще всего, натюрморт наделен смыслом - предметы несут в себе символы и сообщения.

Изначально натюрморт не рассматривался как самостоятельный жанр искусства. Натюрмортные мотивы использовались в качестве декорирования более крупных работ. Рождение "мертвой натуры" произошло тогда, когда художники обратили свое внимание к материальному миру. Повсеместный интерес людей искусства к быту и частной жизни получает распространение в период с XVI по XVII века. Одним из первооткрывателей жанра часто называют нидерландца Питера Артсена, который неоднократно писал рынки и содержимое торговых лавок. Помимо него, основы натюрморта закладывали итальянец Караваджо и испанский мастер Хуан Санчес Котан.

Для разных школ живописи характерны отличные друг от друга виды натюрморта. Любимыми темами итальянских и испанских художников были фрукты и овощи, цветы, посуда. Французский натюрморт пестрил торжественностью и декоративностью. Голландским живописцам удалось создать уникальную классификацию видов натюрморта. Работы нидерландских художников оказали влияние на развитие всей европейской живописи. Они трепетно относились к фактуре и обращали особое внимание на световые и цветовые тональности. Условно натюрморт Голландии делится на следующие типы:
- Ранний цветочный натюрморт,
- «Завтраки» и «Сервированные столы»,
- Тональный натюрморт,
- Учёный натюрморт,
- Иллюзионистический натюрморт,
- Роскошный натюрморт,
- Поздний натюрморт.

#справочник_искусствоведа

Иоганн Зенефельдер, владелец небольшой типографии, в 1796 году изобрел новую сенсационную технику печати - литографию. Событие принесло Зенефельдеру признание и блестящую карьеру. Получив звание королевского инспектора литографии, он работает при комиссии составления карт. Почему же изобретение Иоганна столь важно? Чтобы понять это, нужно разобраться в технологии печати.

Термин "Литография" в переводе с греческого означает "рисую/пишу на камне". Суть принципа такова: художник наносит изображение жирным карандашом или тушью на отшлифованную пластину, которую называют литографским камнем. В местах, где есть штрихи, поверхность не может впитывать влагу, так как жирная основа специального карандаша отталкивает ее. Камень обрабатывают кислотными составами, чтобы заполнить пробелы и сделать их гидрофильными, т.е. способными отталкивать жир и краску. Таким образом, краска остается только на тех местах, где должен быть рисунок. С помощью станка, бумагу с силой прижимают к литографскому камню с изображением. В результате чего, в мастерской получают оттиск, на котором фон остается белым, а рисунок покрыт краской.

Литография получила широкое распространение в области репродукций. Для копирования цветных шедевров использовали большое количество пластин, чтобы передать все оттенки автора. Простота техники позволяла достигнуть уровня высокой точности воспроизведения. Еще один плюс литографии - многотиражность. В ограниченных тиражах печатались только копии произведений искусства. Каждый такой лист считался оригиналом, так как подписывался автором картины.

В разное время методом пользовались такие мастера, как Н.Штрикснер и Ф.Пилоти, Эжен Делакруа и Адольф Менцель, Эдгар Дега и Огюст Ренуар, Александр Орловский и Алексей Венецианов.

В наше время художники также используют литографию, но литографский камень заменен на металлические пластины.

#справочник_искусствоведа "Впервые не из Франции, а из России прилетело новое слово искусства — конструктивизм...", - Владимир Маяковский.

Конструктивизм, как направление искусства, родился в России после Октябрьской революции. Смена эпох требовала изменений как внутри человека, так и в окружающей его среде. Архитектура всегда воспринималась, как эффективный инструмент воздействия на общество. Политики 20-х годов прошлого столетия сделали архитекторов новой волны своими союзниками, чтобы наполнить города идеологическими смыслами. Эстетическое наполнение отошло на второй план. Вокруг советского гражданина активно выстраивалась философия "полезных вещей". Теперь дома, мебель, одежда, декорации проектировались с отсылкой к функциональности. Пролетарская революция диктовала правило: "Искусство служит производству". Основные черты архитектуры конструктивизма: синтез формы и функции, композиционная свобода, универсальность, экономия. Широкое распространение получили фабрики-кухни, дома-коммуны, клубы и дома культуры. Конструктивисты мечтали изменить роль архитектуры в жизни. Они видели выразительность не в декорировании, а в движениях и функционале. Отказ от классического стиля привел к вольному использованию композиции строения. Приверженцы направления искали гармонию в линиях и пространстве.

Первым конструктивистом считают художника Владимира Татлина. Его проект "Памятник III Интернационалу" стал ярким символом конструктивизма. Нельзя обойти стороной архитекторов Весниных. Братья Леонид, Виктор и Александр задали направление новой архитектуре индустриального периода. Архитекторы-конструктивисты получили признание на конкурсе, посвященном преобразованию городской среды. Проект Дворца Труда в Москве, созданный Весниными, полностью соответствовал канонам времени. Еще один видный деятель конструктивизма - Моисей Гинзбург. Он сформулировал идею развития современной архитектуры. По его мнению, все искусство подчиняется механизации жизни, а быт, психология и эстетика - жизнь.
Стоит отметить, что именно Веснины и Гинзбург создают
объединение современных архитекторов (ОСА).

#справочник_искусствоведа

Понятие "Инсталляция" произошло от английского installation, что дословно переводится, как монтаж или установка. Действительно, инсталляция - форма современного искусства, где художник не рисует произведение, а собирает экспонат из разных деталей. Авторы техники часто соединяют между собой привычные для нас предметы быта, промышленные производства, природу, видео-сопровождение и текст. Художник наделяет каждую частицу инсталляции символическим смыслом. Обыденный предмет теряет свою первоначальную функцию.  Инсталляция создается в глубоком пространстве и связана с интерьерной глубиной.

История жанра начинается в первой половине ХХ века. Создателем вида считается Марсель Дюшан, который перевернул эстетику, изменив значение слова "искусство" и значение объекта. Его знаменитая работа "Фонтан", где в роли фонтана выступал перевернутый писсуар, шокировала публику и критиков. С тех пор, границы, установленные жанрами и видами искусства, начали рушиться.

Дмитрий Пригов классифицировал три разновидности инстилляций:
"Первый тип характеризуется доминирующим сюжетно-повествовательным (или квази, или псевдо-сюжетным) началом. Примером могут служить многочисленные инсталяции Кабакова и отдельные Комара и Меламида. Второй тип можно обозначить как объектно-предметный. Скажем, всевозможного рода имитации научных лабораторий, реальных и псевдо-реальных бытовых и музейных интерьеров.
И третий – визуально-визионерский, делающий акцент на созерцание некоего изображения или сооружения. В пример могу привести те свои инсталляции, которые связаны в основном с использованием газет и рисованных изображений". Форма инсталляции популярна. В жанре задействованы следующие имена: Йозеф Бойс и Эдвард Кинхольц, Виталий Комар и Александр Меламид, Илья Кабаков и Дмитрий Пригов, Ричард Серра и Ай Вэйвэй, а также многие другие художники ХХ-XXI веков.

Современные художники часто дополняют инсталляции видео-объектами и музыкальными композициями. Век новых технологий активно отражается на современном искусстве.

На фото: Инсталляция китайского художника Ай Вэйвэя «Световой куб», состоящая из каркаса и многих тысяч хрустальных бусин.

#справочник_искусствоведа

Где хранятся все ценности музеев и галерей? Постоянная экспозиция - это далеко не все наполнение.
Хранилище музейных экспонатов, не включенных в экспозицию, носит название "Запасник". Запасники - своеобразная коллекция, которая формируется за годы существования музея. В крупных заведениях количество работ в отделах хранения зачастую переваливает за сотни тысяч. Так, например, Музей Москвы имеет около 750 тысяч единиц искусства. Это живопись, скульптура, книги, фотографии и даже предметы быта.

Версия о том, что запасники скрывают от публики шедевры - это миф. Нужно понимать, что коллекции музеев постоянно пополняются, запросы публики меняются, каким-то экспонатам требуется реставрация и специальные условия хранения.

Почему происходит так, что шедевры скрыты от глаз посетителей?

Во-первых, музейщики трепетно относятся к сохранности работ. В Пушкинском музее уже больше 370 тысяч экспонатов выполненных на бумаге. Согласно правилам хранения, бумага может находиться на освещении не больше трех месяцев. Иначе она разрушается: приобретает желтый оттенок и высыхает. Соответственно, памятник культуры может исчезнуть.

Во-вторых, не весь материал представляет всеобщий интерес. Предположим, что имеется большой материал не крупного художника. Из 30 его работ выставляют, к примеру, только пять. Естественно, это будут самые яркие работы, которые прекрасно описывают стиль и технику автора.

В-третьих, не все экспонаты совершенно нерентабельны. Многие предметы, что хранятся в запасниках, ждут своего часа. Некоторые работы из коллекций находятся на временных экспозициях других площадок.

Некоторые музеи развеивают легенду хранилищ. С 2014 года Политехнический музей проводит экскурсии в, так называемые, "Открытые фонды Политеха". Любой интересующийся может посмотреть на музейную жизнь изнутри. Третьяковская галерея организовывала выставку под названием "Третьяковская галерея раскрывает запасники". ГМИИ имени Пушкина запускал спецпроект, в котором предлагалось проголосовать за экспонат из запасника музея. Победивший предмет был выставлен в постоянной экспозиции ГМИИ. Им стала древняя ассирийская клинописная плита.

#справочник_искусствоведа

Продолжаем погружаться в мир искусства и изучаем важные термины. Сегодня обсудим абстрактную живописную технику, которую часто использовали художники-экспрессионисты.

Понятие "живопись действия" происходит от английского Action Painting. Живопись действия - наиболее заметное художественное направление США в XX веке.
Суть такова: краска наносится на холст не равномерно, а разбрызгивается, наливается, распыляется и т.д.

Создателем техники является идеолог американского абстрактного экспрессионизма Джексон Поллок, который входит в число великих художников-беспредметников.
В 1947 году он создал технику "дриппинга". Художник отказался от традиционных форм и приемов, расстелив холст прямо на полу своей мастерской. Вместо кистей Джексон брызгал краску из банок, использовал нож и мастахин, добавлял песок, стекло и фактурные инструменты. Революционные подходы Поллока быстро превратились в бурные обсуждения и принесли ему невероятный успех. Абстракционист утверждал, что манера его письма не до конца бессознательна, она подчиняется художественной воле творца. Зачастую новатор писал картины публично, разыгрывая целый спектакль: его движения были точны, краска наносилась так, как того требовал замысел. Процесс создания картины стал выше самого результата.

В чем причина появления живописи действия?
Абстрактное искусство всегда символизировало некую свободу. В послевоенное время весь мир пребывал в стадии кризиса. Искусство не исключение. "Живопись действия" - необходимость, которая перенесла эстетическую ценность картины на другой уровень. Теперь требовалось другое - задокументировать процесс творения, создать перформанс. Работы художника больше не находились на станковом уровне. Жест художника становится куда важнее.

Необходимо отметить, что период "живописи действия" в искусстве проложил путь к современным формам: поп-арту, перформансу, акциям, хеппинингу и др. О них мы обязательно поговорим позже.

На фото: Джексон Поллок за работой.

#справочник_искусствоведа

Друзья, продолжаем изучать мир искусства. Сегодня поговорим о иконописи. Если конкретнее, речь пойдет об одном из ее основных типов изображения Богоматери.
Термин Елеу́са происходит от греческого Ελεούσα, что в переводе означает "Милующая". Этот тип икон получил на Руси название "Умиление". В греческой иконописании подобные изображения связаны со словом "Гликофилуса" (γλυκυφιλουσα), которое на русском языке означает "Сладкое лобзание".
На иконе типа Елеуса изображена Богородица, которая держит на руках младенца. Образ, как правило, поясной, но встречается разновидность оплечного изображения. Главная отличительная особенность - Иисус припадает к щеке Богоматери. Голова Богородицы склоняется к Сыну. Елеу́са, пожалуй, самый лиричный из разновидностей иконографии. Он открывает личную, тайную сторону общения Матери с Сыном, души с Богом. Жанр близкий к Елеусу - "Взыграние", где младенец написан в свободной позе, касающийся рукой лика Богородицы.
Яркий пример Елеуса - это "Владимирская икона Божией Матери". По приданиям, автором ее сюжета является евангелист Лука. На Русь икона попадает в качестве подарка еще в начале XII века из Византии. Она является памятником византийского искусства и основой для иконографий, возникших позже. Необычная черта "Владимирской иконы Божией Матери" - изображение Младенца Христа. Он расположен таким образом, что мы видим его "пяточку".
Также к типу иконографии Богородицы "Елеуса" относятся следующие иконы: Донская, Жировицкая, Ярославска и другие иконы.
Помимо того типа, который мы изучили сегодня, существует еще несколько основных техник изображения Богородицы - Оранта, Одигитрия, Панахранта. 🔎Изображение: Феофан Грек "Донская икона Божией Матери".

#справочник_искусствоведа

Швейцарский город Цюрих становится центром культурной революции в 1916 году. Художники, поэты, скульпторы, публицисты, объединенные ужасом Первой мировой войны, бегут в нейтральный городок и создают новое направление искусства - Дадаизм.
Термин "дадаизм" берет свои истоки от первых бессвязных звуков "да-да", которые произносят дети. Такая идея родилась у одного из идеологов движения - поэта Тристана Тцара. Существуют другие расшифровки "дада", например, "деревянная игрушечная лошадка" с французского или африканское слово обозначающее "хвост коровы". Любая интерпретация наименования соответствует принципам дадаистов. Давайте разберемся, что повлияло на возникновение группы и чем руководствовались последователи в своем творчестве.

Первые слова, что приходит на ум при изучении дадаизма - разочарованность, бессмысленность, протест. Дадаисты считали войну бессмысленной. По их мнению, человечество губит себя, создавая и совершенствуя оружие, а значит прогресс абсолютно бессмыслен. Молодые интеллектуалы критиковали существовавшую политику, которая привела к жестокости. Произведения искусства приверженцев "дада" были такими же, как и действительность - нелогичными, случайными, без особого смысла.
Творцы активно работали в жанре ready-made, представляя обыденные предметы, объектами искусства. Так, например, ни один учебник по искусству не проходит мимо знаменитого "Фонтана" Марселя Дюшана. "Фонтан", на самом же деле, обыкновенный писсуар с подписью и датой создания. Такой ироничный протест вызвал бурю эмоций. Дюшан данной работой показал, что лишь художник может решать, что является предметом искусства и какова его цена.
Не менее популярными среди дадаистов были жанры - коллаж, ассамбляж, фотомонтаж. Поэты часто использовали бессвязные звуки. Например, Тристан Тцара в стихотворениях резко обрывал привычную речь. Продолжение в комментариях⬇️

#справочник_искусствоведа
⠀ Общество художников под названием "Голубая роза" сформировалось после одноименной выставки 1907 года в Москве. Сейчас это событие соотносят с периодом русского символизма. Основная часть сплотившихся художников заявила о себе в рамках другого мероприятия - "Алая роза" - которое состоялась тремя годами ранее. На выставке 1904 года в Саратове принимали участие Врубель и Борисов-Мусатов. Считается, что новое поколение художников берет корни именно с традиций и техник этих творцов. В художественный круг "голуборозовцев" входили такие мастера, как Н.Крымов, П.Кузнецов, А.Матвеев, Н.Сапунов, М.Сарьян, С.Судейкин, П.Уткин и другие. Помимо художников, к обществу присоединились скульпторы и поэты. Например, Александр Матвеев и Константин Бальмонт.
 Давайте поговорим о главных принципах и настроениях "голуборозовцев". Критик Сергей Маковский назвал первую выставку "Голубой розы" - "часовня для немногих". Выставка носила тихий созерцательный характер. Молодых художников влекла поэтика символов, романтические темы, образы будто из сновидений. Большое внимание уделялось музыке. Живописцы старались наделить полотна музыкальным наполнением и объединить жанры искусства. Что касается цветового содержания и формы, то чаще всего художники использовали нежные, чуть туманные оттенки и ускользающие формы. Сюжет выстраивался не из конкретных образов, а ассоциаций, которые создавались с помощью специальных приемов: матовость, мерцания, отражения, непривычные ракурсы. Посредством живописи коллектив "Голубой розы" пытался показать яркость и хрупкость чувств человека. После того, как круг "Голубая роза" прекратил существование, многие художники ушли из символизма, но продолжали творить в романической манере. Страсть к символам, что объединяла их изначально, все равно осталась основой работы мастеров нового поколения.

#справочник_искусствоведа
 Среди венецианских художников 18 века был популярен городской пейзаж. Мастера детально изображали на картинах повседневные виды. Такой жанр получил название - Ведута, что с итальянского означает "вид". Понятие возникло именно в Венеции. Венецианцы именовали ведутами картины, гравюры и рисунки "города на воде", изображенные с высокой точностью. Самый известный художник-ведутист - Джованни Антонио Каналь, именовавший себя Каналетто. Он начал писать свои знаменитые виды Венеции, после поездки в Рим. Там Каналь был вдохновлен работами местного художника Джованни Паоло Панини, который изображал на картинах достопримечательности Рима. Ранние работы Каналетто написаны с натуры, без предварительных эскизов и набросков. Позднее мастер использует камеру-обскуру, для более точного и детального изображения города на картинах. Чаще всего автор пейзажей изображал каналы и площади Венеции. В его работах соединились поэтичность и естественность городской среды. Картины Каналетто пользовались популярностью у европейских аристократов, приезжавших в Венецию в образовательных целях. Знаменитое полотно мастера «Праздник обручения венецианского дожа с Адриатическим морем» находится в Государственном музее изобразительных искусств имени А.С. Пушкина. Мастера ведуты творили по всему миру. Например, в России работал в жанре городского пейзажа Фёдор Яковлевич Алексеев. Его карьера началась в Венеции, куда он попал, получив медаль художественного училища, которая позволила продолжить обучение живописи за рубежом. Вернувшись в Россию, сначала копирует работы итальянцев, а после начинает свою серию пейзажей. В 1794 году получает почетное звание академика и признание, за пейзажи Санкт-Петербурга. Коллеги часто называли Алексеева «русским Каналетто».

Материалы "Справочника искусствоведа" под хэштегами:
#справочник_искусствоведа или #артимекс_изучает

🍀Делитесь знаниями с друзьями!
🎨Instagram: instagram.com/artimex.ru
📱ВКонтакте: vk.com/artimex_ru
🖥Загляните на наш сайт, чтобы подобрать для себя лекцию: www.artimex.ru

#справочник_искусствоведа "Баухаус" — высшая школы строительства и художественного конструирования Германии. С немецкого слово Bauhaus переводится, как "дом строительства". Сегодня мы поговорим о баухаусе, как о художественном архитектурном объединение, которое возникло на базе школы. История баухауса начинается в 1919 году. Идейный вдохновитель течения — молодой архитектор из Берлина Вальтер Гропиус. Он же стал первым директором школы строительства в Ваймаре. Гропиус описал основную идею объединения в книге "Границы архитектуры": "Мы хотим вместе придумывать и создавать новое здание будущего, где все сольется в едином образе: архитектура, скульптура, живопись, — здание, которое, подобно храмам, возносившимся в небо руками ремесленников, станет кристальным символом новой, грядущей веры." Что толкнуло архитекторов к поиску новых решений? Эпоха активной индустриализации. Баухаусовцы считали, что форма должна соответствовать процессу изготовления. Архитекторы и художники отказываются от всевозможного декорирования зданий, в ожидании, что городское пространство очистится благодаря этому. Преподаватели школы и приверженцы движения мечтали создать дизайн, способный удовлетворить массового потребителя. Они стремились соединить в промышленных товарах эстетику, доступность и функциональность.
Таким образом, перед нами возникает следующее здание: - Минимальное количество орнамента, - Появляется нарушение симметрии или ее повторение, - Максимально эффективное использование пространства здания, - Геометрические конструкции, - Нейтральные цвета.
В Баухаусе преподавали: Василий Кандинский - живопись и фреска, Пауль Клее - витраж, Ласло Мохой-Надь - обработка металла, Эль Лисицкий - супрематические композиции, Тео ван Дусбург — «Де стиль». Высшая школа строительства Баухаус была закрыта в 1933 году. Национал-социалисты видели в ней корни коммунизма. Но сторонники продолжили развитие идей объединения.
Найти материалы нашего "Справочника искусствоведа" можно с помощью хэштегов:
#справочник_искусствоведа или #артимекс_изучает

#справочник_искусствоведа
Сегодня рассмотрим итальянский художественный стиль, который возник в конце XVI века — Барокко.
Барокко с итальянского переводится, как "причудливый". Стиль приходит на смену искусству великой эпохи Ренессанса. Теперь художники ставят в центр творчества столкновения человека с миром, разума с чувствами.
Отличительные черты эпохи барокко — динамичность, пышность, экспрессия, высокая контрастность. Барочный человек отрицает естественные процессы, противопоставляя им некую вычурность. Мышление человека явно отличается от средневекового. Новый тип не видит прежней гармонии. Мир воспринимается в противопоставлении.
Говоря о живописи барокко, нельзя не назвать крупнейших мастеров - Караваджо и Рубенса.
Итальянец Микела́нджело Меризи да Карава́джо изображает чувственных, буквально залитых светом персонажей. Кстати, именно он начинает использовать резкое противопоставление света и тени.
Фламандский живописец Питер Пауль Рубенс также воплощает в своих работах черты барокко. Краски, разнообразные жесты, эксперименты с композицией — Рубенс отказывается от традиционных линий.
В архитектуре барокко появляется большое количество скульптур на фасадах, например, мифические атланты, набирают популярность коллонады и пилястры. Известные архитекторы — Карло Мадерна, Лоренцо Бернини, граф Растрелли.
Музыка эпохи также усложняется. Игра на инструментах активно развивается, появляются оперы. Одно из известнейших музыкальных произведений барокко — «Времена года» Антонио Вивальди.
Конечно, нужно отметить, что искусство эпохи барокко тяготеет к синтезу. Произведения искусства стремятся соединиться с другими. Мастер мыслит не только, как художник или скульптор, а как декоратор.
#лекторий #искусство #лекциипоискусству #мастерклассыпоискусству #лекциивмоскве #артимекc #лекторийартимекс #лекциипоискусствувмоскве #Москва #афишамосква #афиша #лекция #москва24 #живопись #барокко #рубенс #вивальди #караваджо #бернини #стилиискусства

Наша новая еженедельная рубрика "Справочник искусствоведа"

Абстракционизм - направление, основу которого составляет стремление отказаться от реалистичного изображения объектов и форм. Абстракционисты пытаются создать гармонию с помощью цветовых решений и геометрических фигур. Абстракционизм можно делить на два вида: геометрическая абстракция и лирическая абстракция. Первое направление тяготело к точным геометрическим формам, второе предпочитало свободные движения. Абстракционизм рождается в начале 20 века. В 1910 году Василий Кандинский пишет "Первую абстрактную акварель". Художник выбирает для себя путь дальнейшего творчества — беспредметность. Содержание и смыслы картины выражаются в форме и цвете. На следующий год Кандинский презентует в Германии свою знаменитую книгу «О духовном в искусстве», в которой излагает основные принципы своей работы. Воплощение внутренних состояний, по его мнению, куда важнее внешних. Яркие представители абстракционизма: Пит Мондриан, Василий Кандинский, Казимир Малевич, Наталья Гончарова, Михаил Ларионов и другие. Каждый из них внес свой весомый вклад в развитие искусства. Так, например, Михаил Ларионов создал одно из ответвлений раннего абстракционизма - "Лучизм", о котором мы обязательно поговорим позже. А Казимир Малевич основал "Супрематизм", который также является разновидностью абстракционизма. Абстракционизм продолжает развиваться. Тенденция наших дней — развитие сюжета в беспредметной живописи (конкретные ассоциации) и изучение пространства белого цвета.
Найти материалы нашего "Справочника искусствоведа" можно с помощью хэштегов:
#справочник_искусствоведа или #артимекс_изучает
Если Вы также неравнодушны к миру искусства, как и мы, присоединяйтесь! 📱Facebook: www.facebook.com/artimex.ru 🖥Загляните на наш сайт, чтобы подобрать для себя лекцию: http://www.artimex.ru/ 🍀Делитесь знаниями с друзьями!
#лекторий #искусство #лекциипоискусству #мастерклассыпоискусству #лекциивмоскве #артимекc #лекторийартимекс #лекциипоискусствувмоскве #Москва #афишамосква #афиша #лекция #москва24 #живопись #современноеискусство #словарь #абстракционизм #кандинский #мондриан #малевич

Most Popular Instagram Hashtags