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Guitarra y vaso (1917) su estilo cambia presenta colores uniformes, densos o trabajados, en algunos casos imitando madera, que evocan los papeles pegados, siendo así su tercer momento como el "cubismo sintético", el cual es con unidad compositiva, Braque impulsa más que Picasso en esta tendencia del cubismo sintético. A la vuelta de la Primera Guerra Mundial desarrolló un estilo propio, con forma unida al color. Representa figuras de gran tamaño. Pinta algún paisaje. Y realiza, sobre todo, multitud de bodegones de estructura similar.🎸 #CulturaColectivArte #art #artincanvas #artist #paint #painting #oilincanvas #cubism #GeorgesBraque #CulturaColectiva

Georges Braque (Argenteuil-sur-Seine, 13 de mayo de 1882 - París, 31 de agosto de 1963) fue un pintor y escultor francés. Nació en una familia de artesanos. El creció en Le Havre y estudió en la Escuela de Bellas Artes (École des Beaux-Arts) desde 1897 hasta 1899. La exposición fauvista de 1905 le impresionó tanto que se adscribió a este estilo, usando preferentemente los colores rosa y violeta, ese mismo año, la exposición retrospectiva de Paul Cézanne y la amistad que trabó con Pablo Picasso, que acababa de pintar sus Señoritas de Aviñón, le hicieron cambiar de estilo. El trabajo de ambos, en estrecha relación, hará surgir y evolucionar al cubismo. 🎨
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El plato de frutas (1912) en sus inicios tuvo unos momentos fauvistas, pero después junto con  Pablo Picasso fue uno de los iniciadores del cubismo. Existen dos fases en su cubismo. En una primera época pinta cuadros de superficies superpuestas y planos angulares, componiendo a base de cubos; usaba pocos tonos cromáticos. Después pasó por una fase de "cubismo analítico" en el que los objetos quedaban descompuestos en facetas hasta el punto de ser irreconocibles. ◽️ #CulturaColectivArte #art #artist #artincanvas #oilincanvas #GeorgesBraque #cubism #CulturaColectiva

The Anatomist (1869) Su primer gran éxito de la crítica fue en 1867 con el cuadro, “Mártir de la Cruz”, pintura simbolista de tema místico-religioso y en la que hacía una interpretación psicológica de sus figuras. En este cuadro puede pensarse en  Edgar Allan Poe, sobre "La muerte de una mujer hermosa es, sin lugar a dudas, el tema más poético del mundo..." 💀
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Self portrait with a monkey (1910) Gabriel von Max (Agosto 1840 – Noviembre 1915) fue un pintor Austriaco. En 1855 - 1858 estudió en Prague Academy of Arts, su primer cuadro fue cuando dentro de la Academia, continúa estudiando en Venecia. Después de eso siguió en Munich, y en cada paso iba formando su estilo único y cada vez dejaba de lado la paleta oscura haciendo la imagen de tonalidades suaves.🎨 #CulturaColectivArte #art #arte #artist #artincanvas #selfportrait #monkey #paint #painting #CulturaColectiva

The reading ape (1880 aprox.) En los estudios de Gabriel von Max se incluye el Darwinismo. Posteriormente sus intereses en antropología crearon una enorme colección de obras en Reiss-Engelhorn-Museen, Mannheim. Gabriel convivió con una familia de monos, mismos que retrato numerosas veces; dejando también en estos retratos su estilo etéreo único.
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Painting No. 7 (1952) Preparó muchos sketchs sobre dibujo, aunque nunca los publicó, antes de su trabajo plástico, y además fue un músico del arte abstracto. Sus pinturas tuvieron un impacto dinámico, dramático y espontáneo, es importante saber que él siempre las describió muy simples en cuanto a dichos elementos. Cabe decir que hizo muchas de sus pinturas a raíz de los conocimientos aportados por sus estudios previos.🔲 #CulturaColectivArte #art #arte #artincanvas #oilincanvas #paint #painting #abstracto #artist #minimal #CulturaColectiva

Self Portrait (Pensilvania 23 de mayo de 1910 - Nueva York 3 de mayo de 1962) fue un pintor estadounidense asociado al grupo expresionismo abstracto que geográficamente se centra en Nueva York entre los años 1940 y los años 1950. Dentro de su obra preparó muchos sketchs sobre dibujo, aunque nunca los publicó, antes de su trabajo plástico, y además fue un músico del arte abstracto. Puentes, túneles, edificios y otras estructuras arquitectónicas e industriales fueron usualmente mencionados como fuentes de la inspiración de Kline. 🎨
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Le Gros (1961) como Jackson Pollock y otros pintores abstractos, fue un pintor de acción por su simple, espontáneo e intenso estilo, mediante el uso de trazos fuertes y figuras abstractas. La mayor parte del trabajo de Kline fue "practicada espontáneamente". Los colores blanco y negro puros son característicos en sus obras en 1955 fueron los últimos años en que utilizó el color. Las pinturas de Kline son muy complejas y subjetivas, se dice que existen referencias a la caligrafía china en sus composiciones. 〰
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The Painting Session (1932) Barraud estudió a los maestros del Museo del Louvre, y se integró en el movimiento “Neue Sachlichkeit” (Nueva Objetividad), movimiento que había nacido en Alemania para oponerse al expresionismo, del que formaron parte entre entre otros, Christian Schad, Georg Scholz, Otto Dix, Rudolf Schlichter, Otto Griebel. El estilo realista de su obra se acerca a sus contemporáneos como Balthus y Moise Kisling, sin embargo, es mucho más nítida y sus composiciónes y sus escenas son mucho más convincentes que cualquiera de antes mencionados. A lo largo de toda su vida, padeció enfermedades, muriendo de tuberculosis en 1934, con solo 35 años de edad.
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Autorretrato 1931, François Émile Barraud (La Chaux de Fonds, Suiza, el 14 de noviembre de 1899 - 11 de septiembre de 1934) Fue el mayor de cuatro hermanos, todos ellos fueron artistas. Estudió Bellas Artes en su ciudad natal. Con un talento excepcional, Barraud y es uno de los mejores de entre los artistas poco conocidos. Participó, obteniendo un gran éxito en la Exposición Nacional de Bellas Artes de Basilea, tras lo que viajó a a Reims, Francia, en 1922 y más tarde a París donde trabajaría como artista y también como artesano. En París conocería a la que sería su mujer, Marie, con la que se casó en 1924.🎨 #CulturaColectivArte #art #artincanvas #oil #oilincanvas #selfportrait #paint #painting #artist #FrancoisBarraud #CulturaColectiva

La tailleuse de soupe (1933) es una de sus obras más famosas. La mujer que se encuentra de frente es Marie, su esposa, quien es modelo en muchas de sus pinturas, incluidos varios autorretratos en los que aparecen los dos. François Barraud pintaba en su mayoría bodegones, desnudos femeninos, retratos, entre ellos varios retratos dobles de sí mismo y su esposa. En este cuadro se muestra su estilo preciso en la pintura, con un enfoque realista, desarrollada bajo la influencia de los antiguos maestros franceses y flamencos.
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